Sangre mortal

Por problemas con este blog

2009-12-03T13:22:00.001+01:00

Por problemas con este blog, me veo obligada a dejarlo e irme a un blog abierto hace tiempo:

http://isoba-unlugarbajoelsol.blogspot.com/

Joni y Jaco.

2009-11-29T18:42:00.010+01:00

Joni Mitchell ( nacida en 1947; en Alberta, Canadá) cantante y compositora de éxito en la música folk y pop de las décadas de los años 60 y 70, que a partir de 1974 en su disco"Court and Spark" había iniciado sus coqueteos con el jazz, publica en 1976 una de sus mejores obras: "Hejira" en el que el jazz cobra mucha mayor importancia, gracias a la colaboración en varios temas de Jaco Pastorius (1951, Pensilvania).

En el año de 1976 aparecieron casi simultáneamente los discos Jaco Pastorius, su primera colaboración con Weather Report, en "Black Market" y su participación con Joni Mitchell. Jaco mantuvo una relación amorosa con la cantante canadiense pero, sobre todo, grabó a su lado tres discos de estudio formidables y participó en 1979 en una gira que dio pie a otro disco y un DVD. Con este trabajo, cansada de su imagen de compositora cándida y de estar encasillada como cantante folk y pop, Joni destruye la imagen de cantante de folk que tenía desde que había comenzado en el mundo de la música en bares y cafés de su ciudad natal.

Supone un gran giro en su estilo, con una nueva experimentación musical, con melodías más complejas y también con letras mucho más metafóricas.

Jaco, que se encuentra en su mejor momento, colabora en cuatro de los temas de este disco: "Coyote", "Hejira", "Black Crow" y "Refuge of the roads". Desde luego, se nota su participación con su peculiar manera de tocar su bajo fretlles ( una Fender Jazz Bass sin trastes).

No se debe olvidar la calidad de los otros músicos que la acompañan en este trabajo: Larry Carlton, Max Bennett, Victor Feldman o Neil Young.

"Coyote".

"Hejira".

"Black Crow". Con Larry Carlton a la guitarra.

También de este gran disco de Joni es el tema:" Song for Sharon", y aunque en ella no participó Jaco Pastorius, quiero mencionarla porque me parece una de las mejores canciones recogidas en este trabajo. Junto a Larry Carlton a la guitarra.

En 1977 Joni y Jaco vuelven a colaborar en el disco "Don Juan's Reckless Daughter", en el que se aleja aún más del pop para decantarse plenamente por el jazz. Su amor por el jazz se enfatiza mucho más en este doble disco, un tanto irregular.

También cuenta con la presencia de Larry Carlton a la guitarra, Wayne Shorter al saxo y el pianista Michael Colombier. Contiene este disco uno de los mejores temas de toda la discografía de esta mujer, y el acompañamiento de Jaco Pastorius al bajo hace que sea una obra de arte:

"Jericho".

"Talk to me", otro de los temas en que participa Jaco Pastorius.

En 1978 vuelven a colaborar en el disco "Mingus", dedicado a este músico, con canciones de éste al que Joni puso voz y letra y temas compuestos por Joni para el músico. Contó con la participación de Charles Mingus, que murió antes de que el proyecto terminase en 1979. El trabajo surge con motivo de que Mingus había pedido trabajar en una versión musical de los "Cuatro cuartetos" de TS Elliot, proyecto que fue desechado, pero que sirvió de catalizador para este álbum de Joni. El trabajo fue terminado junto a Jaco y otros grandes músicos como Herbie Hanckok, Wayne Shorter , Michael Brecker, Lyle Maynes y Don Alias.

"The Dry Cleaner de Des Moines". Con Jaco al bajo.

Junto a varios de estos músicos y Pat Metheny, sacó en 1980 el disco " Shadows and light" de su concierto en directo en 1979 en Santa Bárbara. Con varios temas de su disco "Mingus" y de otros temas de trabajos anteriores.

De la decepción y la desesperación.

2009-11-23T12:56:00.004+01:00

Varias estaciones juntos en algunos caminos. Otras, separados en caminos diferentes. Intuido de antemano por mí que así terminaríamos: en el desencuentro de dos seres que jamás se cruzarán en sus caminos.

Como fondo musical el tema en directo "The world I Know" de la banda " Collective Soul". Creo que supera la versión en estudio con el acompañamiento orquestal.

Maybe, next year...

2009-11-21T23:06:00.006+01:00

Una de las grandes canciones de la historia. Compuesta para el musical " A little night music" (1973) por Stephen Sondheim (letrista y compositor para el teatro y el cine, con varios premios en su haber: un Óscar, un Pulitzer, varios Tony y Grammy. Según la mayoría de los críticos e historiadores de teatro, Stephen Sondheim (1930) se encuentra entre los mejores compositores y letristas de espectáculo de Broadway.Su primer gran éxito cuando fue contratado por Leonard Bernstein para escribir las letras de"West Side Story" (1957) Fue también compositor y letrista de otros grandes musicales como " Sweeney Todd"). Este musical está basado en la película "Sonrisas de una noche de verano", dirigida por Ingman Bergman.

Se trata de una balada del Acto II en la que uno de los personajes, Desirée reflexiona sobre las ironías y las decepciones de la vida. Desirée, una actriz cuyas pasiones eran el teatro y los hombres, había preferido vivir su vida y revolotear de hombre en hombre, entre ellos el abogado Fredick, muy enamorado de ella, con el que se había negado a casarse.

Después de varios años se reencuentran y Desirée descubre que está casado con una jovencita. Ella se da cuenta de que le ama de verdad y le propone retomar sus antiguas relaciones, pero él la rechaza, diciéndole que ha sido barrida de la tierra y ama a su esposa. Desirée, sentada en la cama, canta esta canción, en la que proclama su ira y tristeza por lo que ha perdido.

"Send in the clows" es una canción de arrepentimiento, de rabia, de separación. Desirée está muy dolida y furiosa, pero no quiere hacer una escena delante de Fredick, así que decide quedarse sentada sobre la cama, mientras le expresa con preguntas y con frase cortas y entrecortadas su enojo y pesar.

Sonhein creó especialmente la canción para la actriz Glynis Johns. Al no poseer la actriz una gran voz, decidió que las frases fueran cortas. Se convirtió en la canción más popular de Sondheim. El tema se caracteriza por el gran lirismo de la letra, la dulzura de la música y el dramatismo interpretativo, sobre todo en la rabia en la penúltima frase y el lamento de la frase final: "Well, maybe next year".

Glynis Johns en la escena en que canta "Send in the clowns" (1982)

Cuando se le preguntó a Sonhein a qué se refería con los "payasos", explicó que no se refería a los payasos del circo. Es un sinónimo de tontos o necios.
"Tengo un montón de cartas en los últimos años pidiendo lo que el título significa y sobre lo que significa la letra. Quería usar las imágenes de teatro en la canción, porque ella es una actriz, pero no se supone que es un "circo'.... Es una broma del teatro que si el programa no va bien, se dice" vamos, que entren los payasos", en otras palabras, "vamos a hacer las bromas." Y en la frase " No te molestes, ya están aquí " significa que" Nosotros somos los tontos".

La versión de esta dama del teatro británico: Judi Dench. Con gran fuerza dramática.

Isn't it rich?

Are we a pair?
Me here at last on the ground,
You in mid-air.
Send in the clowns.

Isn't it bliss?
Don't you approve?
One who keeps tearing around,
One who can't move.
Where are the clowns?
Send in the clowns.

Just when I'd stopped opening doors,
Finally knowing the one that I wanted was yours,
Making my entrance again with my usual flair,
Sure of my lines,
No one is there.

Don't you love farce?
My fault I fear.
I thought that you'd want what I want.
Sorry, my dear.
But where are the clowns?
Quick, send in the clowns.
Don't bother, they're here.

Isn't it rich?
Isn't it queer,
Losing my timing this late
In my career?
And where are the clowns?
There ought to be clowns.
Well, maybe next year.

Traducción, más o menos literal.

¿No es fantástico?

¿Somos una pareja?

Yo estoy aquí finalmente en el suelo

Tú en medio del aire.

Qué vengan los payasos.

¿No es glorioso?

¿No estás de acuerdo?

Uno que sigue tirando,

uno que no se puede mover

¿Donde están los payasos?

Qué entren los payasos.

Justo cuando dejé

de abrir las puertas

para terminar dándome cuenta

que quería la tuya

hice mi entrada nuevamente

con mi talento natural

segura de mis palabras

no hay nadie allí.

¿No te encanta la farsa o la comedia?

Temo que sea mi culpa

Pensé que querrías

lo que yo quiero... lo siento amor

Pero,¿donde están los payasos?

Qué vengan los payasos.

No te preocupes, ya están aquí.

¿No es fantástico?

¿No es raro?

¿Perder mi control a estas alturas

en mi carrera?

¿Dónde están los payasos?

Tendría que haber payasos.

Bueno, quizá... el próximo año.

Se convirtió en la canción más popular de Sondheim; En 1975, Judy Collins la incluyo en su disco "Judith" convirtiéndose en un gran éxito.

La versión de esta dama de la música folk y pop estadounidense. Acentúa más el lirismo de la música.

Posteriormente muchos artistas famosos grabaron la canción: Frank Sinatra, Kenny Rogers, Barbra Streisand, Shirley Bassey, Count Basie, Sarah Vaughan, entre otros.

Gran versión de la gran dama del Jazz: Sarah Vaughan. Puro sentimiento.

Un tipo genial y extraño para los tiempos que corren.

2009-11-18T12:19:00.002+01:00

¿Cómo definirle? ¿Peculiar? Sí, desde luego ¿Fascinante? Bastante ¿ Loco? Creo que hay bastante locura genial en este hombre.
Rara avis en el panaroma musical actual, sin duda. Con su música volvemos a reencontrarnos con el viejo sabor del Mississippi.

Un trotamundos con una gran carga de experiencia y vivencias sobre sus espaldas, según él ha contado en las entrevistas que le han hecho. Se ha comentado que es producto del capricho de algunos productores que lo sacaron a la luz para dar una nota de color al panorama musical, ávido de nuevas sensaciones. Pero, qué gran capricho, prácticamente desconocido, descubrieron y qué poder de atracción para las jóvenes generaciones que descubren, gracias a este trotamundos, el viejo blues de la riberas del Mississippi y de Tennessee.

Aunque se ha dedicado a la música desde 1970, Steve Seasick no fue conocido hasta que un grupo escandinavo en el año 2004 le animó para que tocara con ellos en un trabajo que recopilaba las experiencias de un sin techo. Su verdadero nombre es Steve World y su apodo "Seasick", según él confesó en una entrevista, es debido a que se marea en los barcos. Por su directo le han apodado “One Man Band”, cosa que hace justicia a este viejo bluesman, por la gama de instrumentos personalizados que utiliza en sus actuaciones: instrumentos de de una o tres cuerdas.

Nació en Oakland, California en 1941. Con catorce años se fugó de casa por los maltratos de su padastro y se convirtió en un habitante de la calle. Deambuló por el país, de ciudad en ciudad, de tren en tren de mercancías, a los que se subía a escondidas. y tuvo que trabajar en todo aquello que le permitía ganarse la vida: en la recogida de algodón o de tabaco, trabajando en un circo o de cowboy... En un momento dado su vida se cruzo con el musico de blues KC Douglas, el cual le enseñó a tocar la guitarra y de esa manera ganar algo de dinero por las calles de varias ciudades estadounidenses.
Con el paso de los años se decantó luego de manera más profesional por la senda de la música. Comenzó a viajar y tocar con otros artistas como músico de sesión, Janis Joplin entre ellos, por algunas zonas de Estados Unidos. Luego tuvo la oportunidad de tocar en un par de ocasiones con John Lee Hooker, pero, después de eso, volvió a desaparecer. Durante la guerra de Vietnam dejó la ciudad de San Francisco a la cual habia llegado siguiendo el movimiento hippie y llegó a Paris donde vivió un tiempo.

Regresó a Los Estados Unidos y se asentó en la ciudad de Seattle, cuna del fenómeno "grunge", y gracias a su pequeño estudio llegó a producir mas de 80 discos. En el año 2001 se fue a vivir a Noruega, donde trabajó como ingeniero de grabación y dónde volvió a retomar la idea de hacer música a la tardía edad de 68 años, gracias a "The Level Devils" que lo animó a grabar con ellos su primer disco: "Cheap".

Con toques de blues clásico que hace pensar en historias del Mississippi.

Lo que más llama la atención en sus directos son los instrumentos de fabricación casera que utiliza, como los bluesman de antaño que se construían sus propios instrumentos porque no podían pagarse la compra de uno verdadero. Junto con otros artistas, Seasick, da un gran impulso al renacimiento actual de estos instrumentos caseros para recuperar ese sonido primitivo del blues del Delta.

-Una vieja guitarra de tres cuerdas, una guitarra normal que se asemeja a una Fender Coronado, pero con sólo tres cuerdas. A menudo se cuenta la historia que la compró ya en pésimas condiciones por 75 dólares en Como, Mississippi, a su amigo Sherman Cooper que la tenía colgada en la pared como objeto de decoración.
-Diddey Bow: instrumento de una sola cuerda. Utilizado en el blues y de origen africano, de fabricación casera, compuesto generalmente de una tabla de madera y una cable sujeto por dos tornillos.
-Guitarra de caja de cigarros: fabricada con una caja de puros descartados. Debido a que el instrumento es de fabricación casera, no existe ninguna norma para las dimensiones o de las técnicas de construcción. Muchas de estas guitarras estaban formadas por sólo una o dos cuerdas de metal unidas a los extremos de un palo de escoba que se inserta en la caja de puros.

Cigar box guitar.

-Mississippi drum machine: Una caja pequeña de madera para la percusion y que está decorado con una placa de la licencia de motocicleta Mississippi y un pequeño pedazo de alfombra.
-Roland Cube Amplifer: Un amplificador barato y de lo más sencillo.

Después de este éxito relativo, su verdadero triunfo llega en el año 2006 con la publicación de su segundo disco titulado «Dog house music» y que triunfó en el Reino Unido, siendo una de las revelaciones musicales del año.

En directo en el programa de Jools Holland en 2007. Un boogue con su guitarra de tres cuerdas fabricada por él mismo y con su caja de sonido. Fue precisamente Holland quien en el 2006 lo rescató al programarlo en la fiesta de año y lo dio a conocer al público británico.

En el programa de Holland con otro tema. Aquí toca otro instrumento de su propia creación, denominado One Diddey bow.

En 2008 publica su tercer trabajo titulado «I Started out with nothin’ and i still got most of it left», con la multinacional Warner.

En el programa de Holland del 2009.

Su último lanzamiento ha sido publicado en este año. "Men from another time".

Discografía:
2004: Cheap
2006: Dog House music.
2008: I Started Out With Nothin and i Still Got Most of it Left
2009: Men from from another time.

Slap. -3- Slapeando con Louis Johnson y Buddy Hankerson.

2009-11-16T11:45:00.013+01:00

Louis Johnson:

Dotado de una tremenda habilidad con su instrumento, este bajista es considerado como uno de los padres del slap en el bajo eléctrico, técnica que -según él mismo afirma- desarrolló antes de oir a Larry Graham y de la que aún hoy día sigue siendo uno de los principales exponentes.

Muy joven formó la banda "Johnson Three Plus One" con su primo Alex y sus hermanos George y Tommy, a finales de la década de los 60. La banda inició su actividad profesional teloneando a estrellas del soul como, pero George y Louis la abandonaron para pasar a formar parte del grupo de acompañamiento de Billy Preston, para quien escribieron los hits "Music in My Life" and "The Kids and Me". En 1973 el productor Quincy Jones contrató a ambos para la grabación de su LP Mellow Madness. Tras la gira por Japón con la banda de Jones, el productor acabaría produciendo el álbum de debut de los Brothers Jhonson en 1976, lo que señalaría el inicio de una larga y fructífera colaboración entre ambos, pues Quincy Jones ha contado con los servicios de Johnson en una gran cantidad de sus producciones desde entonces.

Sus colaboraciones con Quincy Jones, entre las que destaca la realizada en el álbum "Thriller" convierten a Johnson en uno de los músicos de sesión más cotizados y solicitados de la costa oeste norteamericana, participando en un sinfín de sesiones de grabación para algunas de las estrellas más importantes desde finales de la década de los 70, como: Michael Jackson, Aretha Franklin, George Benson, Stevie Wonder, Ray Charles, Herbie Hancock, George Duke...

Buddy "Hanks" Hankerson".

Fue miembro del grupo Slave, grupo de funk fundado en Ohio en los años 70 por el trompetista Steve Washington. El hit que les consagró fue el fabuloso single "Slide", del año 1977. Su álbum antológico es "Stellar funk" que ha sido reeditado en 1994.

Tras cambios en la formación en los 80, decidieron crear un nuevo grupo: Aurra. Lo conformaron, principalmente, el productor y arreglista Steve Washington, Curt Jones (voz, guitarra y percusión) y Starleana Young (voz y percusión), aunque originalmente también se implicaron Charles Carter (teclados, flauta, percusión, saxo y voz) y Buddy “Hanks” Hankerson (bajo). Nació a partir del grupo Slave, compartiendo varios de sus miembros y una misma filosofía: se trataba de una extensa familia musical sin integrantes fijos, a la que se incorporaban diferentes músicos, independientemente de contratos discográficos.
En cualquier caso, fue una de las propuestas más importantes de la música disco, caracterizada por su nada tímido uso de sintetizadores y ritmos programados, muy lejos del sonido predominantemente acústico y orquestal de Salsoul Records, sello en el que editaron buena parte de su música. Fue precisamente su innovadora producción la que facilitó que, cuando la música disco ya no era tan popular, el grupo siguiese teniendo éxito, registrando sus mayores hits a principios de los 80, en los últimos años de actividad de la primera etapa de Salsoul Records.

En 1982 formó parte del grupo de Steve Arrington Steve Arrington's Hall of Fame que consiguió un gran éxito en 1985 con su único álbum "Dancin' in the Key of Life".

Y posteriormente fue miembro de la banda "Young and Company".

Buddy creó una nueva banda: "Buddy Hank band". Su trabajo "Document My Life" más cargado de lirismo que anteriores trabajos con los grupos citados.

http://www.myspace.com/buddyhankersonwithbillyyoung

Slap. -2- Slapeando con Larry Graham.

2009-11-14T13:24:00.017+01:00

La lista de bajistas de guitarra eléctrica que practican o han practicado esta técnica es larga, y por muy exhaustiva que quiera ser, siempre habrá alguno que se me quede en el tintero.

Comienzo con el primero:

Larry Graham. Generalmente, la invención y popularización de esta técnica se atribuye a este bajista.

Nació en 1946 en Tejas. Participó en la creación de la técnica "slapping" con la que el bajo adquirió un nuevo sentido en la música; técnica a la que él llamó "Thumpin' and Pluckin¨. Ha sido considerado uno de los mejores bajistas de funk debido a ser el padre del slap y a su notable creatividad y a sus ritmos explosivos. De hecho "Flea" (bajista de Red Hot Chili Peppers) y muchos grandes bajistas como "Les Claypool" han declarado que han tenido influencias de este artista.

Graham, tocó el bajo en la mítica banda de soul y funk, Sly and the family Stone, en su periodo de mayor éxito e influencia en el panorama musical (1967 a 1972). Durante este periodo y su influencia en el "slapping" se convirtió en uno de los bajistas más importantes de todos los tiempos.

Tras la abandono de la banda por las continuas discusiones con los hermanos Sly y Freddy Stone, Graham formó su propia banda, Graham Central Station, en referencia a la Gran Central Station Central de Manhattan, con la que grabó siete discos de estudio, aparte de otros cinco en solitario. El grupo tuvo algunos éxitos durante la década de los 70, entre los que destaca el tema "Hair".

A mitad de los 70 y en la cumbre de su carrera musical se hace testigo de Jehová y cae su producción. En los 80 reaparece con éxitos como "One in a Million, You".Y en los 90 hubo una vuelta de Graham Central Station y en 2000 Grahan salió de gira con Prince.

Impresionante slap en este directo.

De gira con George Clinton & The P Funk Stars.

Solo del maestro.

(Con mejor sonido)

It's alright

Slap. -1-

2009-11-12T14:41:00.020+01:00

Posiblemente a los más puristas del contrabajo y el bajo eléctrico está técnica les resulte menos atractiva, y como en cuestión de gustos nada hay escrito... dejo esta primera parte dedicada al slap.

¿Qué es el SLAP BASS?

Slap suele denominarse a todas las técnicas de percusión efectuadas sobre contrabajo o bajo eléctrico. También se llama así a un golpe de dicha técnica en particular: al golpe producido por el dedo pulgar de la mano derecha sobre una cuerda. No obstante, para tocar la técnica de slap existen además de éste, otros golpes, movimientos o técnicas que amplían el recurso percusivo muchísimo más.

El slap es una técnica surgida en un principio para tocar el contrabajo que posteriormente se aplicó al bajo eléctrico.

Aunque está asociada mayoritariamente al estilo funk en el bajo y al rockabilly en el contrabajo, es ampliamente usada por bajistas de todos los estilos. La técnica es conocida por los músicos que tocaban el contrabajo allá en los años 20 que usaban la palma de la mano para golpear y puntear las cuerdas con sus dedos. A partir de los años 40 se hace más habitual entre los músicos blancos, siendo adoptada por los artistas hillbilly y bluegrass. A partir de estos dos estilos, en los años 50 el rockabilly la convierte en su sello más característico. Este estilo fue reintroducido en el bajo eléctrico por artistas como Larry Graham, Mark King, Stanley Clarke, o Louis Johnson en la escena del funk y del jazz. En la actualidad, gran número de estilos de música usan el bajo eléctrico y el slap como patrón rítmico recurrente.

Técnicas de Slap:

1.-

El Slap (bofetada en inglés porque el sonido que se produce es como si fuera una bofetada o azote), en líneas generales, consiste en golpear con el dedo pulgar una la cuerda. El golpe puede ser al final del mástil o a la altura del micrófono. El dedo pulgar debe ubicarse paralelamente a la cuerda que se va a golpear y, por tanto, perpendicular a los trastes. El golpe tiene que ser seco y duro para que suene bien y el pulgar debe golpear la cuerda como si fuera un látigo y muy relajado, sin tensar los músculos, casi muerto. Se trata de un golpe preciso del pulgar de la mano derecha sobre la cuerda, de tal forma que el pulgar rebota despegándose de la cuerda. En general el slap se toca en las cuerdas 4 y 3, las cuerdas más graves. También se puede hacer sobre las otras cuerdas, pero el sonido percusivo más característico de esta técnica se logra sobre las dos más graves.

2.-

Pluck o Pop o Popping: Es el sonido producido por el rebote de las cuerdas sobre el diapasón. Para ello hay que estirar las cuerdas con la punta o yema de los dedos y dejar rebotar sobre el mástil. Se toca en general sobre las cuerdas 2 y 1, las más agudas. El pop o pluck puede ser simple, o doble, triple y hasta cuádruple en sentido melódico. Se toca una nota a continuación de otra, pero con dedo distinto, aprovechando el movimiento de arrastre de la mano, que permanece sin levantarse completamente hasta el último pluck( Siempre el orden y secuencia de los dedos será: índice-mayor-anular-meñique).

3.-

Mutes o notas muteadas o notas muertas: Se utiliza cuando se quiere que no suene ninguna nota y en lugar de ello si se escuche un golpe percusivo. Se obtienen apoyando el talón de la mano derecha o la mano izquierda sobre las cuerdas, entonces, con uno o más dedos de la mano izquierda se presiona levemente la cuerda para anular el sonido de alguna nota y sólo se escuche el sonido del golpe.

4.-

Damping o LHS (Left Hand Slap): Es una forma de hacer slap muteado íntegramente con la mano izquierda. Consiste en golpear las cuerdas levemente (pero sin rebote) con todos los dedos juntos de la mano izquierda, sin llegar a pulsar sobre el diapasón, de manera que no suene ninguna nota definida, pero si un golpe similar a un slap muteado.

5.-

Thumbpicking (o Double Thumb): Puede compararse con el movimiento ascendente y descendente de pua de los bajistas o guitarristas. Consecuentemente se logra una mayor rapidez. De manera similar, los bajistas son capaces de imitar dicha técnica, pero con el dedo pulgar. Por lo tanto, también habrá 2 golpes o movimientos asociados, uno para abajo (thumb down) y otro para arriba (thumb up). Estos dos movimientos se realizan en la misma cuerda. El primer golpe es un slap con la variante que el pulgar no rebota la cuerda hacia afuera, sino hacia abajo para tener preparada la cuerda para el slap hacia arriba o thumb up.

6.-

Slap-Tap o RHT (Right Hand Tap): consiste en la combinación de slap (golpe de pulgar, muteado o no, con una serie de golpes realizados con el resto de los dedos de manera similar a éste, es decir, impactando cada dedo sobre la misma cuerda.

La ejecución del slap nace del bajista norteamericano Larry Graham, del grupo Sly & The Family Stone, quien cuenta que la técnica fue el resultado de que al quedarse su grupo sin su baterista notó que faltaba la acentuación que provocaba este instrumento. Por tal motivo comenzó a experimentar con el objetivo de encontrar sonidos parecidos a los de la batería. Para ello empleó el modo de acción de percutir las cuerdas y hallar similitudes con la batería. Así encontró que cuando golpeaba con el pulgar eso se parecía al bombo y cuando pellizcaba una cuerda superior a la que golpeaba eso se parecía a un redoblante. De manera paralela, esta técnica de slap fue desarrollada por el bajista de sesión Louis Johnson y adoptada por Stanley Clarke y popularizada en su disco de 1974 “Stanley Clarke”, un disco que demostraba por primera vez que un bajista eléctrico podía ser líder de su propia banda, y que mostraba todo el artenal técnicamente virtuosístico de Clarke en el bajo eléctrico. Muchos otros bajistas se enamoraron, con posterioridad, de este sonido tan peculiar del bajo, quienes la utilizaron y perfeccionaron. Hoy en día se puede decir que existen auténticos maestros del slap, tales como:, Bootsy Collins, Marcus Miller, Buddy Hankerson, Stuart Hamm, Víctor Wootenn, Flea, James Ross, Less Claypool, Richard Bona, entre otros.

Larry Graham explica en este vídeo cómo empezó a utilizar la técnica mientras estaba en Sly and the Family Stone.

http://www.youtube.com/watch?v=9othLKBF13U&feature=related

Tributo al bajo de Víctor Wooten

XXVI edición del Festival de Jazz de Madrid.

2009-11-06T18:10:00.012+01:00

Del 4 de Noviembre al 29 de Noviembre.

Enlaces:

http://www.esmadrid.com/festivaljazzmadrid/jazz-con-sabor-a-club

http://www.espormadrid.es/2009/10/xxvi-festival-de-jazz-de-madrid.html

La XXVI edición del Festival de Jazz de Madrid arrancará este viernes en el Teatro Fernán Gómez con un concierto del batería estadounidense Jimmy Cobb y su proyecto 'Kind of Blue at 50. So What Band', que conmemorará los 50 años de la publicación del disco 'Kind of blue', de Miles Davis.

La sede principal, el Teatro Fernán Gómez, acogerá el grueso fuerte del programa, 12 conciertos, y los 5 restantes, se repartirán entre las otras 3 sedes, es decir, el Teatro Circo Price, el Centro Cultural Nicolas Salmerón y la Fundación Carlos de Amberes. Al programa oficial se sumarán los conciertos enmarcados dentro del Festival del San Juan Evangelista, los del Festival de Ciudad Lineal y los que se celebrarán en la Fundación Progreso y el Teatro Lara. Y cómo en pasadas ediciones, varias salas de la capital, como Clamores, Segundo Jazz o el Café Central, se unirán a la celebración con conciertos especiales.

Las entradas para los conciertos se podrán adquirir en la página web www.telentrada.com.

El Johnny vive

Enlace:

http://sanjuanevangelista.org/agenda/index.html

Otoño -1-

2009-11-06T14:01:00.007+01:00

Llegó en el rosado manto

del atardecer de un martes.

Llegó sin estruendo,

sin lluvia ni viento.

Sobre las ramas,

quiere desplegar sus alas.

Y yo sólo ansío sepultar

para siempre tu recuerdo

en una tupida tumba

de hojas marchitas.

Jamie Cullum. "Please, don't stop the music".

2009-11-02T10:43:00.009+01:00

Jamie Cullum, cantante, compositor y pianista británico, parece haberse convertido en una de las jóvenes promesas del Jazz. Su contrato con la compañía Universal Classic and Jazz por un millón de libras esterlinas, a la edad de 24 años, no deja lugar a dudas.
Nació en Essex, comenzó su carrera musical a los 16 años tocando en bares, clubs y hoteles del pueblo donde se crió, Wiltshire. Años después se trasladó a Londres para estudiar y actúa en pubs, bodas, cruceros... todo lugar dónde se le contratase.
Consiguió dos discos de platino y el premio a Mejor artista nuevo en su país y fue nominado como mejor artista revelación en los premios Britt Awards con álbum "Twentysomenthing".
Poco después cosechó un gran éxito en Los Estados Unidos, siendo el primer artista europeo que actúa en The Oak Room, del hotel Algonquin de Nueva York.

Su música es una mezcla del jazz clásico y de las canciones tradicionales estadounidenses con el pop. En sus álbumes se escucha predominantemente jazz, pero fusionado con diversos estilos: dance, rock, pop, funk, música clásica. Es precisamente este acercamiento al jazz desde el pop, tanto en sus composiciones propias como en sus versiones de conocidos clásicos, lo que ha propiciado que sus álbumes obtengan un gran éxito comercial, ya que ha conseguido que muchos consumidores no interesados por el jazz hayan descubierto y acercado al jazz.

Discografía:

1999: Hear it all before.
2002: Pointless Nostalgic
2003: Twentysomething
2005: Catching Tales
2007: In The mind of Jamie Cullum (recopilación para el sello británico District 6).

http://www.rtve.es/mediateca/videos/20090829/festival-de-jazz-de-san-sebastian/574966.shtml

En una noche de verano.

La música recorre la ciudad tendida al mar y con sabor a verano.
Nos envuelve cómplice en la noche sosegada que nos pertenece.

-Please, don't stop the music. Let the music play-

Desatamos amarras con el sonido de las canciones
-olvidando otros sonidos y la prisa de nuestros relojes-
Nuestros cuerpos danzan al son de este hermoso idioma.
Brilla el líquido nocturno en nuestros vasos de papel.
Un humo azulado se eleva divertido entre minutos quemados.

-Please, don't stop the music. Let the music play-

Nostalgias reflejadas en nuestros ojos que temen despedirse.
Viejos amigos con huella que recorren la ciudad, testigo de nuestro encuentro.
Viajeros que nos cruzamos con la gente, en la antesala del adiós
de un aeropuerto que nos llevará a distintas direcciones.
Y primero que una voz nos llame y de desaparecer en las salas de embarque,
dejemos qué suene la música otra vez antes de que nuestro tiempo se agote.

-Please, don't stop the music. Let the music play, again-

Thánatos.

2009-10-31T17:46:00.019+01:00

Thánatos estaba cansada de que nadie quisiera contemplarla y de que todo el mundo huyese despavorido en cuanto aparecía, ya que su sola presencia era señal de muerte inminente. Ataviada con sus ropajes negros característicos y portando sus atributos significativos, deambulaba de un lado a otro obsesionada con tan esquivos habitantes de ese planeta.

Ella era Thánatos, la señora que segaba las vidas mortales; la odiosa dama sin rostro hermoso ni sentimientos; la que existía desde el origen mismo de la vida. Y estaba muy hastiada de que todos escapasen ante su manifestación y de no poder cumplir su tarea primordial y reiterativa. Por lo que decidió cambiar sus ropajes y sus atributos. Se vistió con llamativos atuendos de color rojo rubí y cambió su guadaña de afilada hoja por un ordenador portátil.

Ahora las personas la miraban sin temor y se acercaban a ella sin el recelo que antes despertaba. Y ella sonreía a todo aquel que se aproximaba para ver la imagen que aparecía en la pantalla: una dama con ropajes negros y con cara de arpía que llevaba en su mano una gran guadaña.

Con motivo de las festividades del Día de Difuntos y del Día de Todos los Santos (fiestas muy unidas en los pueblos del norte y oeste de Hispana a la celebración de los magostos y a las historias compartidas a la luz de las lumbres de fantasmas y aparecidos).Y para quien lo prefiera: Halloween, el antiguo Samain o Samhain (fin de las cosechas y comienzo del Año Nuevo) de la cultura celta. La frontera entre los muertos y vivos se abre por unas horas. Cuidado esta noche no se os cuele algún fantasma molesto o si os atrevéis a pasar al otro lado no os quedéis allí atrapados, víctimas de algún hechizo. (Conozco a más de uno que se ha quedado atrapado, pero no lo sabe. Ésa es otra historia).

High and Dry.

2009-10-30T13:57:00.016+01:00

"High and dry". Versión de Jamie Cullum.

Original de Radio Head.

Conversaciones sentados cara al horizonte

bañado de las últimas luces de atardeceres.
Alfombras de hojarasca pone sonido a nuestro pasos.
El sol estalla en una cristalera frente a un estanque.
Parejas apasionadas sobre tálamos de hierba nos ignoran.
Un maestro chino enseña movimientos del vacío y lo lleno.
Nos reconocemos y saludamos con gesto de viejos colegas.
Paseos en manada bajo el parpadeo de cielos de otoño.
Amarillentos fanales tiemblan entre hojas y ramas.
Destellos de luces rojas, doradas y azuladas en la oscuridad
transforman los jardines en mágico bosque de las ánimas.
Jóvenes bulliciosos danzan en patines y bicicletas
sobre un paseo de coches de asfalto y salpicado de farolas.
Brota la belleza cautiva de la estatua del ángel de piedra
con el hechizo prodigioso de la blanca luz de la luna.

Nos conocimos junto a la fuente del señor de los abismos
con la brusquedad y sorpresa de una guerra furiosa
de ladridos, gritos y correas que se cruzan y se enredan.
Tarde tras tarde; una estación tras otra
retorno con la fuerza animal y la alegría en el paso
de saber que nos encontraremos en la luz o en las sombras
y que seremos parte del paisaje conocido de nuestro parque.

A Fernando con él que he compartido muchas horas en el Parque de El Retiro.

Tiran más dos tetas que dos carretas.

2009-09-08T23:10:00.002+02:00

En uno de los "zapineos televisivos "me quedé obnubilada ante la pantalla del televisor: un grupo de periodistas estaban hablando de las perolas de la Yola Berrocal. No es que me interesen mucho las domingas de esa señora, pero es que el asunto tiene tela o silicona-mejor dicho- Esta famosilla de la prensa del hígado había pasado de tabla rasa a tener una talla 90-95, talla bastante normal y llevadera; mas, no contenta con ese rácano tallaje, había decidido aumentar su volumen, hasta llegar a 550 gramos en cada seno: en total más de un kilo de sililicona.

Pero cómo seguía considerando pequeños sus pechos, ni corta ni perezosa, volvió a entrar en el quirófano para que le adosaran mucha más silicona: Más de 1000 gramos en cada pecho.

No sé lo que pensarán los hombres, pero tal señora con esos dos grandes flotadores por pechos a mí me recuerda el muñeco de Michelín. Supongo que como sujetador utilizará dos baldes... porque no debe existir tallaje tan monumental para esas dos carretas.
Esta señora tiene bien claro el refrán que reza: " tiran más dos tetas- y si son grandes, mejor- que dos carretas", aunque la espalda se le quede hecha un ocho y a la larga le dé un jamacuco.

Se comenta...

2009-09-08T22:06:00.001+02:00

Se comenta en algunos medios de comunicación en papel que los estorninos están adaptándose al medio urbano en el cual viven y ahora son capaces de imitar sonidos impensables antes para las aves, como puede ser el caso del sonido de los móviles en sus cantos de apareamiento. Y llegan a imitar tan perfectamente este sonido que se ha descubierto que se cachondean de todos emitiendo los sonidos de los móviles. Imaginaos a todo quisqui buscando su móvil y el cabroncete del pájaro haciendo mutis por el foro o sonriendo encima de un árbol.

Incluso, cuentan los habitantes de un pueblo de Navarra que sus vecinos alados son capaces de imitar a la perfección el chisporroteo de las cercanas torres de alta tensión. También se han dado casos en algunas grandes ciudades, como Barcelona y Madrid, en las que se ha escuchado a estos bichos reproduciendo la alerta para los invidentes de los semáforo o alarmas antirrobo. Lo que no se sabe si esto es por instinto o mala leche.

El no va más es la historia de un sevillano sobre sobre un tordo de su pueblo. Dice que llegó a escuchar a uno, en lo alto de una antena, emitiendo las primeras notas-sol-sol-sol-miii- de la Quinta Sinfonía de Beethoven para atraer a las hembras. O este pájaro era todo un aficionado a la música clásica o encontró en este pito-rreo el mejor método para que se fijasen en él todas las pájaras tordas del pueblo. No hay duda, éste sí qué sabe.
Sólo me falta por leer que uno de estos pájaros de tal galano plumaje fue pillado, a la manera de los tres tenores, trinando tarantelas y rancheras, aunque..., el otro día me pareció escuchar los primeros compases de "Oh sole mío" entre las ramas de un árbol del parque del Retiro.

Dentro del nido
reclama el estornino
con su sonido.

Lugares con magia: Monte Acebo(Cantabria)

2009-08-01T21:54:00.005+02:00

Al fondo, Picos de Europa.

Monte Acebo (Verano 2009).

2009-07-29T14:02:00.005+02:00

The One-3º y final- Into the groove.

2009-04-07T19:06:00.007+02:00

Ya en la década de los 80, proveniente de Parliament, aparece como solista el "padre del funk moderno": George Clinton, que también tenia un grupo llamado 'Digital Underground'. En este periodo se adopta un sonido más electrónico, agregando sintetizadores por doquier. En esta misma época, donde el Funk ya no era tan aclamado por la gente que ahora prefería otro tipo de músicas, aparecen nuevos tipos de bandas que serán el germen de lo que más tarde se conocería como funkhop y luego hiphop al darse cuenta que el funkhop ya no tenía que ver con el Funk original puesto que predominaba más el rap y las voces sobre los instrumentos.

En la década de los 90, el Funk resurge con fuerza en sus diferentes variantes, algunas más difusas que otras. La más común es facilmente reconocible por el ritmo sincopado, las marcadas líneas del bajo, los fraseos de guitarra rítmica y un énfasis muy sensual en la interpretación vocal. Existe también un tipo de Funk más crudo, con guitarras más distorcionadas, un grupo que nos sirve de ejemplo es Red hot chili peppers, cuyo estilo es catalogado por algunos como Funk/Metal, y por otros como Funk/Rock, aunque cabe desatacar que las influencias del grupo tienen corrientes de ambos estilos. Otro tipo es el denominado rock/funk con el grupo Primus como principal exponente. Por otra parte, encontramos a grupos, tales como Jamiroquai, con un tipo de Funk más jazzistico, relajado y emparentado con la música electrónica.
En la música denominada "Dance", la variante más bailable y comercial de la música electrónica, que reúne sonidos del House, Tecno, Trance, entre otros y cuya característica principal es una música no compleja debido a su enfoque comercial, con manejo de sonidos simples y básicos, y conjugándolos con ritmos alegres. Como toda música, se compone de varios compases marcados por el ritmo, que varía dependiendo del tipo de música electrónica que se trate, siendo diferenciado principalmente por el subestilo que trate. Todas las canciones usan el compás de 4/4, tan sólo variando el tempo.

Algunos exponentes del Funk de los 90 y nuevo milenio son: Jamiroquai, Brand new heavies, Jeff Lorber, Liquid Soul, Charlie Hunter, Soulive, Red Hot Chili Peppers, Lenny Kravitz, John Scofield, Marcus Miller, Brand new heavies, Jeff Lorber, Charlie Hunter...y más.

-91 temas en la lista-

"THE ONE" -2ª parte- Funkify your life.

2009-04-06T13:34:00.015+02:00

A fines de los años 60 y primeros años de la década de los 70, este estilo fue evolucionando gracias a un guitarrista e interprete que tuvo una gran influencia en variados tipos de música: Jimi Hendrix ( que estuvo primero en la banda de los Isley brothers). Gracias a éste el Funk pasó a tomar un sonido más electrónico que el que antes tenía.

Los grupos que más destacaron en su época fueron los más reformistas. El Funk deja de tener barreras desde ahora. Sly & the Family Stone las destruyen llevándolas al soul, o llevándolas a la psicodelia y al rock como Jimi Hendrix.

Si Sly y Hendrix revolucionaron el Funk, el grupo Funkadelic revolució todo lo que se propuso y se adelantó a su tiempo. Esta banda que contaba con una gran cantidad de miembros de gran calidad tenía una cabeza pensante que les guiaba: George Clinton. Un hombre visionario, sin miedo a fusionar géneros ni temáticas.

El Funk se convierte un estilo musical muy popular durante los años de 1970 y se consolida como un estilo propio y marcó el camino de la música bailable de aquí en adelante. La década de los 70 es la época dorada del "funky" o música disco. La onda disco alcanzó su máximo auge en 1977 con la película "Saturday night fever", en la que estaba el conocidísimo tema de los Bee Gees " Staying alive".

Entre los funky o enrrollados: destacan: Kool and the gang, y, sobre todo, el grupo Chic. Chic es el grupo disco-funk por excelencia y el que define este tipo de música más discotequera. En él sobresalen el guitarrista Neil Rogers y el bajista Bernard Edwars. No sólo compusieron canciones para la banda, crearon y produjeron temas para otros artistas nuevos y consagrados como Diana Ross, Debbie Harry, Madonna, o David Bowie. También influyeron en otros artistas en la elaboración de su propio sonido, como el caso de Sugarhill Gand, que utilizó el tema de Chic "Good times" como base instrumental para su conocido "Rapper's Delight", o como el grupo británico Queen, que sacó de los típicos riffs de guitarra y bajo de Chic la inspiración para su exitoso single" Another One Bites The Dust".

Otros intérpretes "enrollados" de esta década fueron: Isley Brothers, Gap Band, Earth, Wind & Fire, Sister Sledge, Los Jackson Five, Michael Jackson y muchos más.

Las incursiones con el sintetizador de artistas como Stevie Wonder, Herbie Hancock y "P-Funk" de George Clinton (vía su tecladista Bernie Worrell en el Minimoog), sumado a la caída de los precios de la electrónica a finales de los 70, puso la semilla para que a comienzos de los 80 se popularizara un tipo de Funk hecho sólo con instrumentación (incluida su percusión) electrónica, conocido como Electro Funk.

-81 temas en la lista-

"THE ONE" -1ª parte- Los primeros enrollados.

2009-04-02T12:54:00.016+02:00

¿Qué es necesario para que sea música Funk y Funky?

Mucho ritmo. Ritmo que viene marcado, principalmente, por la base de un potente bajo, una batería y una guitarra rítmica. "Funk" implica ritmo y fiesta imparable. Cuando empieza el bajo (instrumento clave en este género) a sonar, apreciamos uno de los sonidos más rítmicos existentes. Se suelen añadir instrumentos de viento de metal, como trompetas o saxos, y teclados. No es de extrañar que tanto los mejores bajistas como los mejores trompetistas o saxofonistas hayan surgido de aquí. Posteriormente se fueron acoplando instrumentos electrónicos, como el Clavinet Hohner (instrumento musical de cuerdas percutidas o especie de clavicordio amplificado electrónicamente), los moogs y minimoogs (sintetizadores que permiten crear gran número de sonidos de instrumentos conocidos y generar sonidos nuevos). Los temas se suelen caracterizar por la presencia de una voz solista y un coro que da la contrarréplica o contesta al solista.
Y, por supuesto, ser unas personas muy enrolladas y nada tímidas, tal y como dice Diana King en este tema reggae tan funky.

La música" funk" y" funky" es una música para ser bailada; una música destinada a hace mover el esqueleto, de ahí, la importancia del ritmo de una base groove (una forma de tocar con estilo ajustado, satisfactorio y muy rítmico, que llega contagiosamente a los espectadores) del bajo y la batería. Es característico el énfasis del primer golpe de la secuencia cuatro/cuatro del ritmo, poniéndo el énfasis en el 1º de los 4 compases (en vez de en el 2º y el 4º, como es lo normal), ese énfasis que James Brown llamó "the One". Toda esta revolución quedó plasmada en el primer ejemplo de funk propiamente dicho : "Papa's Gonna Brand a New Bag" de 1965 .

El instrumento fundamental en este estilo de música es el bajo, para el que se requiere una gran dominio técnico, y la creación de líneas melódicas sobre las que se construyen los arreglos del resto de los instrumentos. Una técnica muy utilizada por los bajistas funky es el slap (técnica que consiste en pulsar la cuerda tirando de ella con fuerza y soltar para que reboten contra el mástil produciendo un chasquido seco, y a continuación se ejecuta un golpeo contra la cuerda con los dedos extendidos como si se propinase una bofetada o azote).
La guitarra funk, por su parte, es muy diferente a una metal o rock, dado que se basa en la utilización de acordes simples generalmente en las cuerdas más agudas, utilizando el pedal de Wah Wah (pedal manipulado por el pie del guitarrista para producir un sonido similar a la voz humana) y efectos como el Flanger ( para producir mediante sistemas analógicos, digitales y de sofware un sonido metalizado o ECFs (es un filtro parecido de alguna manera a un wah-wah, pero que no actúa bajo el mandato de la posición del pedal, sino bajo el mandato del “volumen instantáneo” de la nota que tocamos. Es un wah automático o auto-wah, comandado por la forma de la envolvente del sonido de la cuerda al ser tocada)para dar un sonido más percusivo al instrumento. Es característico el uso del riff ( Estribillo o fraseo. Es una frase musical o una figura musical, progresión de acordes o melodía que se repite durante el transcurso de una canción, especialmente en el rock, metal, funk o jazz.
La batería tiene una métrica y ritmo característicos, y es una de las partes más evidentes que se han heredado del Funk casi sin cambios desde sus inicios a través de las diferentes formas de música Hip Hop, Breakbeat y más tarde de música electrónica de baile.
Hay quien distingue entre "Funk" y funky" o "disco" (música considerada más comercial y destinada a las discotecas) como movimientos distintos. Aunque, indudablemente, tienen las mismas características ya mencionadas.

El origen remoto del "Funk o protofunk" está en las jam sesions de los músicos de jazz que hacían una música más sensual, bailable y con toques en riff. Es a fines de 1950 y primeros años 60, cuando el "Funk" fue usado cada vez más en el contexto de la música de R&B y Soul, aplicando un ritmo groove y sincopado en la percusión( sonidos polirítmicos en los redobles más radicales en el bombo y en el tamborileo) lo que hacía resaltar el ritmo de los temas y reducía la importancia de la melodía.
El término "funk", según unos, proviene del término africano "lu-fuki", que significa olor corporal intenso asociado a la cópula. Para otros, "funk" puede haberse derivado de una combinación o acrónimo de los términos ingleses "fuck" (grosería para describir la cópula) y "stank" (hediondez). Los músicos Afro-americanos originalmente aplicaron la palabra "funk" para la música de acordes de blues con un lento y desarrollado groove, y después para un fuerte ritmo insistente, presisamente inspirado por el meneo o vaivén espontáneo de los cuerpos durante la relación sexual. Esta temprana y espontánea forma de tocar en sesión configuró posteriormente el patrón para muchos músicos . Aunque, algún estudioso atribuye a Earl Palmer el aplicar la palabra "funky" para indicar cuando iba a tocar algo con ritmo sincopado.

El Funk como tal surge a mediados de la década de los sesenta entre la comunidad negra de los Estados Unidos. Al principio era considerada como una música marginal que expresaba en las letras el disgusto de esta comunidad por su discriminación. Surge de la fusión de elementos del R&B, el Soul de la Motown, el Acid/jazz y la polirritmía de los ritmos afrocubanos.

Con los temas "Papa's Got a Brand New Bag" de Junio de 1965 y, especialmente, con "Cold Sweat" de 1967 nació el nuevo concepto de música mediante la resaltación del ritmo sobre la melodía, los compases en síncopa, rasgeo entrecortado de las guitarra. El concepto del Funk, ya premonizado por los trabajos sincopados de bateristas oriundos de Nueva Orleans, tales como Cornelius 'Tenoo' Coleman (para Fats Domino), Earl Palmer (que tocó para : Little Richard y Joseph 'Smokey' Johnson es un claro antecedente funky pre-Brown con el tema "Trick Bag" de 1961, se populariza y supone una bocanada de aire fresco para la comunidad afroamericana.

James Brown, aplicando modismos especiales, tales como la acentuación al primer compás de las 4 medidas (on The One), el uso del "break" (posteriormente, piedra angular en el hip hop) y la reducción de una entera pieza musical a un simple cambio de acorde, consigue con " Cold Sweat", cuya composición le debió bastante al cool jazz del "So What?" de Miles Davis y a "Señor Blues" de Horace Silver, que haya sido reconocida como la primera canción netamente funk. Otros temas de James Brown considerados piezas claves del funk son "Funky drummer" y "Sex Machine".

Funk de los 60: Los máximos exponentes fueron: James Brown, Maceo Parker (saxo tenor de la banda de James Brown) The Meters, Sly & the Family Stone, Randy Cover, Jimi Hendrix, Johnny Guitar Watson, Funkadelic, Temptations, Spinners, y muchos del sello Tamla Motown, que también hicieron temas funk a fines de los 60 y principios de los 70, como, Temptations- sobre todo con su canción "Papa was a rolling stone", en la que destaca el potente bajo, Marvin Gaye, Stevie Wonder, etc.

Kurt Weill dijo alguna vez: “nunca voy a entender esa diferenciación que se hace entre música seria y música liviana. Sólo hay música buena y mala”.

People make the world go round.

2009-03-12T18:32:00.008+01:00

Cuando se juntan varios grandes músicos y versionan este viejo tema sale esta maravilla. David Sanborn(saxo tenor) y sus amigos.Entre los amigos:Marcus Miller al bajo; David Gilmore a la guitarra; Don Alias a la percusión; Joan Osborne, voz; Bob Scags, voz.

Grabado en directo en 1995.

El tema original es del grupo Stylistics. Del año 1972. Englobados en lo que se denominó sonido Filadelfia o Philly sound, caracterizado por la mezcla del soul y del funky y fundamentalmente por los arreglos orquestales en los que destacan los sonidos de cuerda y la sección de viento.

Erney Sisley.

2009-03-08T10:53:00.018+01:00

Escuchando el tema: " Seven days in sunny June", la forma de tocar la guitarra del final del tema me recordó a otra forma de tocar la guitarra de tiempos pasados. ¿Jimi Hendrix?, Sí, tiene un cierto parecido.

http://www.youtube.com/watch?v=5C_5SVCTsKQ

Mas, de pronto, caí, no, es la forma que tenía de tocar la guitarra Ernie Isley, del grupo Isley Brothers. Totalmente inconfundible. Ahí está su sello.

El grupo de los hermanos Isley llevan en el mundo de la música desde 1954 y han pasado por todos los estilos, desde el gospel, R&B, soul, funk, jazz, hasta el rock y el hip-hop. Fue una banda pionera en muchos sentidos dentro de la música negra: experimentación con nuevos sonidos; usó sonidos electrónicos sin perder el más puro sabor de R&B.
Erney, el menor de los hermanos, se incorporó a la banda a partir de 1969, cuando el grupo ya llevaba un largo camino andado y le dió un nuevo sonido con su toque magistral, mucho más enérgico.
Uno de los grandes guitarristas de la música con un estilo muy peculiar que no siempre ha sido incluido en la lista de los mejores guitarristas del siglo XX y que muchos confunden con Jimi Hendrix.
Who's That lady: Los Isley :pura adrenalina.

Otro de sus grandes temas: La versión de "Summer breezer" del dúo tejano Seals and Crofts. Destaca la voz en" falsete" de Ronald Isley.

Algunas entradas inolvidables.

2009-03-06T14:30:00.022+01:00

En cuanto se escuchan las primeras notas del tema, ya sabemos de qué canción se trata.

No quiero hacer una lista de las mejores entradas porque cada cual tiene sus gustos y preferencias, pero para mí, éstas son las inconfundibles y que dejaron su sello o huella.

Rock- pop-pop-rock.

Se admiten sugerencias.

Furry Lewis: grandes del blues.

2009-03-05T17:25:00.016+01:00

Walter Lewis, nació en Grenwood, Mississippi, entre 1893 y 1900, pero se crió en Memphis. Murió en 1981.
El apodo de "Furry" proviene de su infancia y así es como fue conocido en el mundo de la música. Decidió hacer de la música su forma de vida después de perder una pierna en un accidente ferroviario. Así, en los años veinte, comenzó a viajar a lo largo de todo el sur acompañando a los "medicine shows" (carretas guiadas por un supuesto médico y que ofrecían las últimas novedades farmacéuticas). Con estas giras llegó a aprender todas las formas de tocar la guitarra, incluyendo, el "bottleneck", típico del Delta. También recogió gran cantidad de blues tradicionales y baladas que constituye el grueso de su repertorio.

A fines de la década de los años veinte, formó una "jug band" junto con otros músicos de blues y hace su primera grabación que le dio algo de reputación que no es suficiente para ganarse la vida, por lo que tiene que estar buscando un empleo fijo para poder vivir y conseguir una estabilidad económica.
La depresión le envolvió en el anonimato durante treinta años, hasta que en 1959, Sam Charters le redescubre. Su carrera como músico logra un nuevo auge durante los 60 y el público blanco queda asombrado ante su habilidad. Gracias a artículos, críticas, nuevas grabaciones, actuaciones en directo, su fama llega a casi todos los rincones del mundo.

Una de sus grandes obras es "Fourth and Beale", sobre todo debido a las circunstancias que rodearon la grabación del trabajo. El estudio se llevó a la casa de Furry y éste grabó desde la cama, apoyado en ella, la postura más cómoda para todo un anciano de más de ochenta años.

Bottleneck : consiste en tocar una nota, y luego deslizar el dedo a otro traste, hacia arriba o abajo del diapasón, utilizado en dichos deslices cuellos de botellas de vidrio, anillos, navajas. Otros utensilios comunes utilizados son: tubos de metal largos o cortos, tubos de cerámica y tubos de cristal.
La técnica en que se desliza el dedo hacia arriba o abajo del diapasón se denomina: slide.
En el área de influencia del Delta del Mississippi se originó y desarrolló el slide en la música negra, ligada a la tradición de la esclavitud y en consecuencia al blues. Parece que la intención primaria de este sistema era la de imitar la expresividad de la voz. Se utilizaba esta técnica para producir sonidos llorosos, melancólicos o chillones.

Jug band: Los jugs eran botellones de distinto tamaño que al soplarlos producían sonidos graves. Fueron bandas muy típicas en Memphis en las décadas de los 20 y 30. Una mezcla de blues acústico y ragtime.

Ibidus Martiis ("Tú también, Bruto").

2009-03-04T12:12:00.020+01:00

-Gúardate de los Idus de marzo, César. Son días aciagos, días de traición que trae el aire. Guárdate de aquel a quien más has ayudado.
El día catorce del mes dedicado a Marte, a la hora tercia, fueron muchos los aceros que rasgaron el cuerpo de Julio Cayo César. en el Teatro de Pompeyo, dónde se reunía el Senado romano. Julio se defendió hasta que Bruto le asestó la puñalada mortal en el tórax.

Sin intentar luchar al ver a su hombre de confianza entre los agresores César no dijo nada y se cubrió la cabeza con la toga.(Versión de Plutarco)

Según Suetonio, César con mirada triste dijo a Bruto: Tu quoque, Brute, filii mei! (¡Tú también, Bruto, hijo mío!).

La frase que todos más recordamos es la de "¿Tú también, Bruto?", inmortalizada en la tragedia de Shakespeare, Julio César.

Cayo Julio César, por ironías de la vida, cayó muerto en el teatro de Pompeyo a los pies de la estatua de Pompeyo, su gran enemigo.

Una de las mejores películas es la que lleva por título " Julio César", rodada en 1953 por Joseph L. Mankiewicz.
Consigue llevar a la pantalla con gran maestría la obra literaria de Shakespeare. La película cuenta con un brillante guión, diálogos espléndidos (el discurso de Marco Antonio a cargo de Brando es verdaderamente memorable), magníficos decorados y la interpretación de grandísimos actores, sobre todo británicos.

ANTONIO. - ¡Amigos, romanos, compatriotas, prestadme atención! ¡Vengo a inhumar a César, no a ensalzarle! ¡El mal que hacen los hombres les sobrevive! ¡El bien queda frecuentemente sepultado con sus huesos! ¡Sea así con César! El noble Bruto os ha dicho que César era ambicioso. Si lo fue, era la suya una falta, y gravemente lo ha pagado. Con la venía de Bruto y los demás -pues Bruto es un hombre honrado, como son todos ellos, hombres todos honrados- vengo a hablar en el funeral de César. Era mi amigo, para mí leal y sincero, pero Bruto dice que era ambicioso, y Bruto es un hombre honrado. Infinitos cautivos trajo a Roma, cuyos rescates llenaron el tesoro público. ¿Parecía esto ambición en César? Siempre que los pobres dejaran oír su voz lastimera, César lloraba. ¡La ambición debería ser de una sustancia más dura! No obstante, Bruto dice que era ambicioso, y Bruto es un hombre honrado. Todos visteis que en las Lupercales le presenté tres veces una corona real, y la rechazó tres veces. ¿Era esto ambición? No obstante, Bruto dice que era ambicioso, y, ciertamente, es un hombre honrado. ¡No hablo para desaprobar lo que Bruto habló! ¡Pero estoy aquí para decir lo que sé! Todos le amasteis alguna vez, y no sin causa. ¿Qué razón, entonces, os detiene ahora para no llevarle luto? ¡Oh raciocinio! ¡Has ido a buscar asilo en los irracionales, pues los hombres han perdido la razón! ¡Toleradme! ¡Mi corazón está ahí, en ese féretro, con César, y he de detenerme hasta que torne a mí...

Fusión

2009-03-03T17:54:00.018+01:00

---Fotografía de Cristina.R--- Atardecer en el Palacio de Cristal (Retiro)

Entre hierros y cristales,
crepúsculo de oro.
Hoguera del atardecer,
la noche nace de ella.
Lo invisible
dentro de lo visible.
Reflejos de ramaje y firmamento.
Fusión en la hora fugitiva:
lo natural y lo humano.

---Fotografía de Cristina.R--- Reflejo del sol en el Palacio de cristal (Retiro)

Obscuras siluetas se alzan.

Sombras quietas en lo nocturno.

Fogonazo de luz en los confines.

Astro caído; sangre sacrificada.

Ardiendo; cayendo

Desciende; se vence.

---Sólo se valora algo cuando se ha perdido---

La pulchra leonina. ( El Sueño de la Luz)

2009-02-26T11:48:00.023+01:00

Entre líneas ascendentes
el sol tiñe de colores rubescentes
los antiguos sillares labrados
que quieren alcanzar la gloria.

Sintonía celestial y silente
resplandor férreo de jaspe cristalino
encarnación de la armonía y la belleza
crisol de culturas y mortales gentes.

Lenguaje simbólico en piedra y vidrio
alquimia constructiva de un arquitecto
que encarna lo visible y lo invisible.
Lo corpóreo y lo espiritual.

Bajo sus piedras se encuentran una antiguas termas romanas del siglo II d.c. extramuros al primitivo campamento romano construido por la Legio setima gémina que fue el origen del nombre de la ciudad.
Dichas termas fueron convertidas por orden del rey Ordoño II en palacio real, donado posteriormente a la Iglesia para erigir una basílica, que el obispo don Pelayo reedificó entre 1065 y 1073.En los primeros años del siglo XIII hubo necesidad de transformar el templo que resultaba insuficiente. En tiempos del obispo Manrique de Lara, el maestro Enrique, que ya había trabajado en la catedral de Burgos, emprendió las obras.
Fue construida, entre los siglos XIII y XVI, siguiendo el estilo de las catedrales francesas de Amiens y de Reims. Es una obra maestra de piedra y cristal, de gran fragilidad debido a la piedra calcárea utilizada, muy sensible a la contaminación y cambios de temperatura.

Tiene forma de cruz latina, con tres naves y un crucero triple.Dos esbeltas torres encuadran el magnífico pórtico central, que ostenta bellísimas esculturas. Al Norte y Sur dan las fachadas del crucero. Al Este sobresale el magnífico ábside, rodeando el altar mayor.

En su interior destacan los paneles de vidriería policromada que cubren los huecos de los muros. Su datación va desde el siglo XIII al XX. Nada menos que 1.800 metros cuadrados de vidrios cubren los 125 ventanales, los 57 óculos y los tres gigantescos rosetones.
Estas vidrieras fueron restauradas en el siglo XIX Y hoy en día, los maestros vidrieros están realizando un nuevo trabajo de restauración y de conservación preventiva, ya que han sufrido un grave deterioro debido a agentes corrosivos en la atmósfera, microorganismos, lluvia, contaminación y actos vandálicos.

Ya a finales del siglo XIV se detectaron fallos en su arquitectura por diversos motivos: la baja calidad de la piedra utilizada (caliza de las canteras de Boñar), humedades, soportes frágiles, y algunas intervenciones nefastas, que más que solucionar los problemas, dieron pie a que la catedral se resintiera. Distintos arquitectos desfilaron entre los siglos XV y XVIII para evitar los peligros de desprendimientos y riesgo de hundimiento. Pero eran parches que no lograban solucionas los problemas de desprendimientos y hundimiento, y como he indicado, incluso los empeoraron, Y, ya para remate, el terremoto de Lisboa de 1755 conmovió los cimientos de toda la catedral.
Y no es hasta el año 1887, cuando el cabildo comprueba que hay un peligro serio de hundimiento, en que la Real Academia de San Fernando decide intervenir para salvar este gran templo.

Los males de esta catedral no acaban aquí, pues en 1966 un incendió arrasó toda la techumbre de las naves altas.
En estas últimas décadas se ha venido trabajando para reforzar estructuras y suelos y para el tratamiento de las piedras con las últimas técnicas.

Bajo el lema de "EL Sueño de la Luz" se están realizando desde el año 2006 trabajos de rehabilitación y restauración de las vidrieras y piedra. Ya se han concluido todos trabajos de limpieza de suciedades y corrosión del hemiciclo del ábside y los ventanales Norte III y Sur III.

---Vidrieras por el exterior antes de la restauración---

---Vidrieras restauradas---

Junto a los trabajos de restauración de las vidrieras, se ha acometido tareas de conservación y mantenimiento de las dos hojas de la Puerta de San Francisco de la fachada occidental, así como ya se han iniciado las obras de restauración de uno de los conjuntos escultóricos más emblemáticos de la catedral: el pórtico occidental, muy deteriorado y que nunca se había restaurado.
Esperemos que esta joya, patrimonio de la humanidad, siga en pie y que todo el que llegue hasta ella contemple el espectáculo de luz y color en su interior.

Dos horizontes.

2009-02-21T10:52:00.008+01:00

Dos horizontes.
El tuyo y el mío.

Detrás de mi horizonte,
está tu horizonte.

Detrás de mi horizonte,
estás tú, mi horizonte.

Dos horizontes.
El mío: de tierra y cielo.
El tuyo: de agua y cielo.

Detrás de mi cielo,
está tu cielo.
El mismo cielo.

Detrás de mi tierra,
está tu tierra,
y tu mar unida a nuestro cielo.

Detrás de mi horizonte,
estás tú.
Tú, hacia quien mi rumbo llevo.

Sobre El Carnaval y sobre el Antruejo o Entroydo o Entroido

2009-02-20T13:02:00.021+01:00

I-

El Carnaval es una fiesta de corte antiguo que resucita anualmente. Hoy queremos ser modernos ante todo e indicamos que ha muerto. Dicen las gentes piadosas que, como último resto del paganismo, bien muerto está; pero es el caso que personas de corte racionalista tampoco le han solido demostrar mucha simpatía.
Al Carnaval no le mató ni el auge del espíritu religoso ni la acción de "las izquierdas". Ha dado cuenta de él una concepción de la vida que no es pagana ni anticristiana, sino simplemente secularizada, de un laicismo burocrático.

Diré, por mi parte, que mientras el hombre ha creído que, de una forma u otra, su vida estaba sometida a fuerzas sobrenaturales o praeternaturales, el Caranaval ha sido posible. Desde el momento en que todo se reglamenta, hasta la diversión, siguiendo criterios políticos y concejiles, atendiendo a ideas de "orden social", "buen gusto", etc., etc., el Carnaval no puede ser más que una diversión de casino pretencioso. Todos sus encantos y turbulencias se acabaron.

Pero el Carnaval merece ser estudiado y analizado no sólo como fuente de grandes creaciones plásticas, sino también musicales y literarias. El Carnaval, se quiera o no, es un hijo, aunque sea pródigo, del cristianismo; mejor dicho, sin la idea de la Cuaresma (Quadragesima), no existiría en la forma concreta en que ha existido desde fechas oscuras de la Edad Media europea. Entonces se fijaron sus caracteres. Ello no quita para que quedaran incluidas, dentro del ciclo carnavalesco, varias fiestas de raigambre pagana.
El tiempo de Carnaval está cargado de intenciones no solamente sociales-se fija un período de aparente desequilibrio, en los que la sociedad se lanza primero a un extremo y luego al extremo contrario-, sino también psicológicas. El hecho fundamental de poder enmascararse le ha permitido al ser humano, hombre o mujer, cambiar de carácter durante unos días o unas horas.., a veces hasta cambiar de sexo.

II-
Existe un tópico sobre el origen pagano del Carnaval, unas veces por simples manías clasicistas, otras porque algunos folcloristas y etnólogos se han quedado en una simple búsqueda reducionista.
La creencia de que el Carnaval desciende directamente de las Saturnales ha estado muy difundida en los países de habla romance desde el Renacimiento. Otros pensaron más en las Lupercalias y hubo quien remontaba su origen a las Dionysias griegas. Muchos eruditos sostuvieron la teoría de su origen greco-latino basándose en semejanzas y paralelismos.
La palabra "Carnaval", ha dado a otra teoría aceptada en su época. El Lingüista F. Díez la derivaba de "currus navalis", fiesta romana de época imperial que se celebraba el 5 de marzo de cada año en honor de la diosa Isis. En esta fiesta del carro naval, llamada también "Isidis Navigium", se hacía una procesión, en los lugares con mar cercano, en la que intervenían personas disfrazadas y donde aparecía un barco que se botaba y que respresentaba el barco de Isis.

Desde ya hace décadas esas teorías han caído en descrédito y la palabra se estudia en función de la idea cristiana de la llegada del ayuno y de la entrada de la Cuaresma, y así la palabra viene a formar un grupo que expresan lo mismo: las de tipo Carnestolenda, por un lado, y por otro, las de tipo Antruejo.

La palabra Carnaval fue considerada durante mucho tiempo como un italianismo, pero en misales mozárabes han aparecido formas más familiares en España "carnes tollendas". Los escritores medievales se acercan más a la forma latino-mozárabe.

III-
Son diversas las palabras que denominan este período. Son términos de diversos orígenes que vienen a significar lo mismo: período antes de la Cuaresma como:
a) período en el que se puede comer carne: Carnal.
b) período en el que se ha dejado de comer carne: Carnestolendas.
c) Período en el que al carne se ha dejado: Carnestoltes.
Éstas y otras palabras, como Carnisprivium y Carnelevamen. aluden a una fase preliminar, anterior a los ayunos, y esta idea nos lleva a otro nombre también muy clásico español de Carnaval: el de "Antruejo", tan común en viejos textos literarios y con variantes dialectales aun hoy.

En este nombre se ha visto un descendiente directo de la palabra latina "introito".El antruejo, más castellano, se halla otras formas gallegas, leonesas, portuguesas, etc.
La palabra "Entroydo" aparece en un texto leonés del año 1229. Esta forma se halla muy popularizada aún hoy en Galicia.
"Antroido" y "Entroido" se registra asimismo en el occidente de Asturias y en el Bierzo. "Antruydo", que aparece en la Crónica de Alfonso XI (1340) nos acerca a fomas castellanas del Norte, conservadas en la Montaña de Santander y en León.
Esta palabra fue considerada más una palabra propia de campesinos y popular, frente a la expresión Carnestolendas, mucho más culta. Pero esta palabra sigue viva en todo el occidente peninsular en sus diversas variantes dialectales.

--- De la obra "EL Carnaval " de Julio Caro Baroja---
(No fue nunca catedrático de Antropología y Etnología en ninguna universidad española, pero sentó cátedra con sus estudios y fue maestro de mucha generaciones de antropólogos)

Domen Lombergar.

2009-02-19T13:42:00.020+01:00

Domen Lombergar: fotógrafo, creador digital esloveno. Pertenece a la nueva ola de creadores que utilizan las herramientas de la tecnología para producir casi siempre sus creaciones digitales en dos dimensiones; con un estilo entre surrealista, expresionista, hiperrealista y ciber-punk. Siempre titula sus obras porque como él dice "las palabras son una parte importante de mis trabajos". En sus obras encontramos un extraño y sugerente universo onírico en el que aparecen criaturas misteriosas, metamorfoseadas, como sacadas de otros mundos o de nuestras pesadillas o de nuestros deseos.

http://www.stickystockings.com/files/Archive/Flipfix/Funk/Rose%20Rouge%20(I%20Want%20You%20To%20Get%20Together).mp3

---Metamorfosis de Dafne---

Basado en "Las metamorfosis de Ovidio". Dafne, hija del dios del río Peneo, era una cazadora consagrada a Diana, diosa de la caza, y, como ésta, se negaba a casarse. El dios Apolo se enamoró de Dafne ( por una venganza de Cupido) y, cuando ella rechazó sus requerimientos, él la persiguió por el bosque. Suplicó a su padre que la ayudara y, como Apolo insistía en perseguirla, la ninfa se transformó en un laurel. Desconsolado por la transformación de Dafne, Apolo hizo del laurel su árbol sagrado.

Ella, vida.
Ella, huida.
Ella, pasión.
Ella, sueño.
Ella, amor.
Ella, desprecio.
Ella, belleza.
Ella, prófuga.
Ella, ataviada de piel y deseo.
Ella, árbol anclada al suelo.

http://www.stickystockings.com/files/Archive/Flipfix/Funk/Jungle%20Jazz.mp3

---Nacimiento de Venus---

Me dejé llevar por el manso viento
para no anclarte con mis cadenas.
Me dejé llevar por el fuerte viento
para liberarte de mis cadenas.
Y ahora que no lucho contra el viento,
quiero volar sin tus cadenas.

---Das Traumbild (La visión)---

Astral criatura
surgida de la mente
en turbio sueño. (Haiku)

---Ángel guardián---

Y entonces llegaste tú
en la noche callada.
Te colaste por mi ventana
cabalgando en la cola de un cometa.
Con un soplo me regalas los sueños
que guardas en el hueco de tus manos.

La luna está en lo alto.
Nos observa emocionada.
Tu cuerpo se ondula.
Me fundo contigo en un estrecho abrazo.
Bebo de tu fuente
y tiemblo entre tus brazos.

--- Still life with crow duplication---

Microcuento.-
Me dijo con voz gutural :"Estoy muerto".
Yo no lo entendí porque creí que era un muerto muy vivo. Ahora sé que sí estaba muerto y que sólo quería llevarme al país de los muertos.

Súpermáquinas y gran hermano.

2009-02-16T14:54:00.009+01:00

Un profesor especialista en cibernética se ha hecho instalar un chip en el sistema nervioso de su brazo izquierdo para conocer las sensaciones eléctricas que su cuerpo comunicaba al ordenador.
Tras comprobar que el chip era inocuo para su salud física ( y mental, supongo) se le fue implantado el chip a su esposa. Ambos se conectaron a un ordenador donde se reflejaban sus sensaciones de hambre, cansancio, cariño y lujuria. Sus sentimientos quedaban reflejados primero en la pantalla y luego en el organismo del cónyuge.
El ordenador, mientras tanto, iba almacenando todos esos impulsos emotivos e incluso era capaz de enviar esas señales a otro sujeto en cualquier momento.

Este tema da que pensar. Imaginaos que los ordenadores a los cuales nos conectamos vayan aprendiendo y aprehendiendo todas nuestras sensaciones y sentimientos, hasta convertirse en un superyo que nunca muriese y con un gran bagaje de conocimiento. Esta supermáquina podría formase su propia personalidad con sus propios sentimientos e incluso pudiera llegar a hacernos sentir.

Este tema aparecía planteado en la película " 2001,Una odisea del espacio", con guión escrito por el propio director del film, Stanley Kubrick y por Arthur C. Clarke , y en un pequeño relato de Asimov, sobre un superordenador que llegaba a inmolarse cansado de conocer de antemano muchos destinos humanos.

Se podría plantear otra posibilidad, que todos los gobiernos o un único supragobierno futuro decidiera insertar a todos los seres humanos un chip de control. De esta manera, sería pausible conocer los sentimientos y necesidades de cada ser en todo momento y tener un control de todas las reacciones y actos humanos por parte del "gran hermano".

---Alan Parsons en directo. De su proyecto, "Yo, robot"---

"Vive deprisa, muere joven y sé un cadáver bonito".

2009-02-11T14:15:00.008+01:00

La ironía más grande de todas es que James Dean rodó un anuncio sobre la conducción temeraria por presiones de la National Safety Council, que obligaba a artistas famosos a decir en la pantalla: "La vida que salves puede ser la tuya".
James rodó el anuncio con el vestuario que usó en Gigante y cambió la frase a: "Tomátelo con calma en la carretera, la vida que salves puede ser la mía". Dos semanas más tarde, estaba muerto, en la intersección de Cholame, autopista norte de California, en su Porsche Spyder 550, cerca de Salinas, lugar al que se dirigía para una carrera de coches.
Irónico fue también que el áctor viajaba a unos 110 por hora y minutos antes lo habían multado por conducir a exceso de velocidad.
A partir de su muerte, James Dean se convirtió en mito. Durante los años que sucedieron a su muerte, un ejército de actores han imitado su look, su ropa, su actuación, incluso su físico. Pero ninguno ha marcado ese sello de dolor y tristeza que caracterizó a James. Siempre tuvo ese aire de niño abandonado y triste, a punto de explotar.
Anualmente, los Deaners, un grupo de seguidores de la leyenda, se reúnen en el cruce de Cholame en Fairmount, cerca de Salinas y su tumba siempre está llena de rosas.
Más de medio siglo después de su muerte, su llama sigue sin extinguirse. Bastó una película, de las tres en las que actuó," Rebelde sin causa", reestrenada al mes siguiente de su fallecimiento, para que su presencia creciera con el tiempo.

Sus primeras interpretaciones fueron en el teatro. Su primer papel fue en la obra" El inmoralista" basada en una novela de André Gide. Allí dió la réplica a Geraldine Page, actriz que tuvo mucha importancia en la vida de Dean. Ambos se sintieron atraídos y entre ellos surgió un romance. Ella le animó a seguir con su trabajo de actor después del fracaso en su segunda obra teatral. Antes y después de Page, las principales relaciones de Dean fueron con hombres. Lo más probable es que las relaciones heterosexuales de Dean fueran inventadas por su estudio de Hollywood por motivos publicitarios. No obstante, su romance con Page, aunque fue muy corto, fue apasionado, incluso intenso. El romance también tuvo importancia por constituir la que parece ser la única relación auténtica de Dean con una mujer.

Dean fue observado en el preestreno en New York de esta segunda obra por Elian Kazan quien le ofreció un papel protagonista en "Al Este del Edén". Para el cine sólo realizó tres películas:

-Al este del edén (1955). Dirigida por Elia Kazan.
Dean interpreta a Cal, un problemático joven que es constantemente reprendido por su padre, quién tiene como hijo ejemplar a Aaron, hermano mayor de Cal, y a quién su padre adora. También interviene la novia de Aaron, Abra. La película es una adaptación para cine de la obra de John Steinbeck, autor que trabajó los conflictos sociales.

- Rebelde sin causa (1955.) Dirigida por Nicholas Ray.
James Dean interpretata a Jim Stark, el típico niño malo de familia buena. Un adolescente antisocial que mantiene una actitud confictiva con toda su familia, en especial con su padre. Coincide con otras dos almas solitarias en una comisaría: Judy(Natalie Wood) que ha huído de su casa y Platón(Sal Mineo), un joven tímido y solitario que no posee afecto en su casa.

_ Gigante ( 1956) .Dirigida por George Stevens. Gigante es el mundo antes de la década de los grandes petroleros, gira alrededor de la poderosa familia texana de los Benedict, integrada por Bick Benedict (Rock Hudson), Leslie Lynnton
(Elizabeth Taylor), sus hijos y un antiguo trabajador malcriado, Jett Rink (James Dean). Epopeya sureña repleta de escenas de arrogancia, orgullo, afecto, racismo y poder.

Aunque su trabajo en el cine fue escaso, sus interpretaciones fueron tan innovadoras y de ejecución tan perfecta que se considera a James Dean tan importante como otros actores con una trayectoria profesional más prolongada.
Junto a Montgomery Clift y Marlon Brando, revolucionó la interpretación en Estados Unidos. Los tres utilizaron el método Stanislavski para aportar a la interpretación una sensibilidad personal y un estilo individual y auténtico.
Dean llegó al cine en el momento justo, con la era del jazz, del rock and roll. Creó un arquetipo nuevo lleno de lirismo, el del joven atormentado que se rebela contra el mundo. Y murió antes de cumplir los 25 años, pero la muerte siempre aleteaba en torno suyo. La muerte de Dean llegó a las primera planas, aunque aún no era muy conocido para el gran público. Sin embargo, la situación cambió tras el estreno de Rebelde sin causa, Los adolescentes hacían cola para ver la película e inmediatamente convirtieron al malogrado actor en un auténtico héroe objeto de veneración.

Existe una faceta de James Dean poco conocida: dibujante. Dean hizo bocetos a mano alzada para Page en servilletas u hojas de papel. Page guardó todos estos dibujos a plumilla dentro de un pequeño sobre blanco en el que escribió: "Por favor, guarden estas obras maestras hecha para mí por James Dean". Décadas después, han salido a la luz estos dibujos. Muchos de ellos son autobiográficos y otros tienen un contenido sexual, y revelan algunos de sus más íntimos sentimientos.En uno de los dibujos que realizó Jeames Dean y que Page guardó dentro de un sobre blanco, escribió "Be my Valentine."

En algunos de sus dibujos sexuales, como el mencionado, se dice que expresaban sus preferencias sexuales y que queda reflejado su prolongado e intenso romance homosexual con Jack Simmons. En una de esas servilletas, el protagonista de «Rebelde sin causa» se autorretrata así: «Soy todo un personaje». Entre los 50 dibujos que la estrella realizó sobre servilletas para Jack Simmons destaca un posible autorretrato en el que los ojos de Dean forman los dos ojos de Googie's. «Soy realmente un personaje importante en la Metro», insiste el dibujo. En otro, un «showman» se quita la cabeza, y este es el título bastante irónico: «Sé que esto no les va a impresionar, pero...», y en otro un personaje con una rana como rostro golpea un bongo y dice: «Sólo toco para los famosos». Pero el boceto más revelador muestra a un camarero sosteniendo una bandeja con la cabeza de Marlon Brando, rodeada de fruta, como lista para servirla a unos comensales. Dean había telefoneado con frecuencia a Brando, rogando a quienes atendían el teléfono del más reputado actor que le pusieran con él; pero todo fue en vano. Brando nunca aceptó una llamada de su joven admirador. Los dibujos de Dean parecen ser su venganza.

Warhol comentó que Dean no es nuestro héroe porque fuera perfecto, sino porque representaba el alma maltratada del crepúsculo. Cuando contempló los dibujos de éste se quedó estupefacto por la gran energía nerviosa y el vigor que transmitían.

Conflicto entre partes.

2009-02-09T11:20:00.003+01:00

Hay una parte de mí que quiere rendirse,
salir huyendo y ser silencio.
Hay una parte de mí que lucha por derrumbarse
y olvidarse de quemar palabras.
Hay una parte de mí que quiere morir
bien muerta entre otras tumbas sin nombre.
Hay una parte de mí que lucha
y quiere aniquilarme y ganar la batalla.
Hay una parte de mí que me empuja
a la mitad de la nada, al obscuro vacío.

Hay una parte de mí que no se doblega.
Y no dobla la cabeza y aún empuja.
Hay una parte de mí que me repite:
-Aquí estoy. Herida, sí, pero sin querer ser condenada al silencio-
-El miedo es una serpiente que siempre gana-
-No me mates y me lleves camino de la nada-.

Había una vez una bruja. (Homenaje al cheli).

2009-02-06T19:50:00.005+01:00

Había una vez una bruja con escoba que poco o nada le servía pues ya había perdido gran parte de su utilidad como utensilio doméstico y volador. Al no ser empleada en los menesteres para los que había sido fabricada, se había convertido en una vaga de siete suelas y ni volar quería, ya fuera en simple vuelo raso, ya fuera en artístico tirabuzón o en triple salto mortal, por lo que acabó transformada en una especie de perchero situado en el lado derecho de la cocina, según se entra por la puerta.
Una bruja sin escoba no es una bruja completa, por más vueltas que le demos. Y, aunque, llevara las prendas características de dama de los brebajes, conjuros, sortilegios y hechizos, adivinanza, metamorfosis, ritos y saberes antiguos: vestido largo, de amplia falda, capa, sombrero cónico rematado en una larga y afilada punta y zapatos de charol con hebilla metálica,- por supuesto, todo de color negro- la protagonista de nuestro cuento se sentía una hechicera a medias que encima había bajado en el escalafón de las taumaturgas.

-¿Y si cambio de oficio?, pensó afligida, mirando de reojo a la escoba de mango largo madera y rematada por un penacho de ramas flexibles.
Así no puedo seguir, hasta Lucifer, mi gato negro, pasa de mí, seguía la nigromante con su monólogo interior, al tiempo que se preparaba una tisana de hierbas cogidas en una noche de luna llena junto al pantano de las sombras.
Se sentó en una silla de madera de roble viejo junto a una mesa también de raíz de roble; bebió con pequeños sorbos el brebaje, qué por cierto, sabía fatal, pero, cómo su amiga la bruja Mogoninon se lo había recetado por su eficacia para situaciones de dudas, se lo tomó, haciendo de tripas corazón.
-Pues si que tarda en hacer efecto esto, rezongó escamada.

-Claro, cambiar de oficio no es tarea fácil, resonó una voz en su cerebro.

-¡Leñe, qué susto!, gritó la señora oscura, tirando al suelo la silla y el resto de tisana humeante-por suerte para ella-.

-¿Quién eres?, preguntó, buscando por toda la cocina de donde provenía aquella voz, no fuera que un duende gracioso se hubiera colado y la estuviera gastando una broma-ya sabemos todos que los duendes son muy dados a tales gracias-.

-Soy quien que te mostrará el camino, respondió ni se sabe quien. Las brujas estáis pasadas de moda, estáis futú. ¿ Te has fijado en tu aspecto decimonónico?, siguió la voz dentro de su cerebro con la cháchara machacona y, encima, criticona.

-Vaya, vaya, ¿así qué… pasadas de moda? Claro, ya decía yo que algo sucedía porque ni tan siquiera la escoba me obedece. Puesto que me vas a mostrar el camino, me gustaría que me asesoraras sobre mi nuevo aspecto, éste me tiene muy quemada. Quiero ser una mezcla de la Chifer, la Naomi y la Lara Croft, con jet privado y limusina a la puerta de casa.
Mientras decía todo esto a nisesabequien, la bruja, flipándolo en colores, comenzó a hablar en una jerga extraña y desconocida para ella.

-Macho, por los chorvos no me voy a comer el tarro. Ya sé que no estoy muy puesta en estos tinglados, pero no creo que esté la cosa chunga con este cuerpo serrano, mi nuevo look y la guita gansa que poseo; me las apañaré bien yo solita. Tronco, me lo has puesto a huevo pá largarme de marcha.

¡Deabuti! ¡Total! ¡ Copónnnnnn, estoy divina de la muerte! ¡Mola mazo el looky de body y este chic supremo que me gasto!, clamaba la bruja al contemplar su nueva imagen en el espejo.

Con un renovado y glamoroso peinado, estilo beehive sesentero, de su espléndida cabellera rubia, ojos maquillados con tonos ahumados, eyer-line y máscara de pestañas, labios brillantes y transparentes en tonos rosados, base de maquillaje muy natural en el rostro y con los pómulos resaltados por un colorete en tono rosa, unas gotas sobre su piel de "Calam" y embutida en un vestido largo de tirantes con escote recto en gasa plisada color "rojo Valentino" de John Galiano, que marcaba a la perfección su silueta curvilínea de sirena sofisticada nocturna y vespertina, complementado por un cinturón-corsé negro con aplicaciones de cristales de Gaultier , un bolso de mano"Hermés" de piel trenzada y una gran hebilla en el cierre, unos "Manolos" de tacón vertiginoso y gafas de sol muy" vintage", última hornada de Prada, parecía más una súpermodelo o diva del cine que la antigualla de escasos momentos.

-Anda que... si me llego a coscar antes de esto... ¡Qué pasada! Joé, macho, no era yo antes cutrechoni, ni ná. Todo el tiempo desaliñada, con ropa oscura de gótica siniestra, más pasá que las maracas de Machín y sin enterarme de la misa la media.¡Qué muermazo de vida! Y menudo curro el mío, siempre comiéndome todos los marrones ¡Vaya pringada!

Salió de su casa, montó en un deportivo descapotable rojo, conectó el cargador CD y radio para escuchar a todo volumen a un grupo de nombre muy raro y exclamó presa de gran excitación.

-¡A la city, a mover el esqueleto! ¡Ay, madre! Se me está yendo la olla y me vendrá encima un jamacuco o me daré un leñazo y se me saltarán los piños. Si es que estoy más pa'llá que pa'cá...

Nuestra bruja llegó hasta la entrada de la disco de moda de la capital.

- ¡Cuánta peña! ¡Y qué mogollón de personal guapo!

Un fornido "puertas" se acercó hasta ella y le pidió las llaves del coche para aparcarlo.

- ¡Uf! ¡Qué yogurín! Y yo sin enterarme de que existían tales tíos de pan y mójame. Entraré a saco y me pondré ciega de toó. La que voy a montar será gorda. ¡Toma peaso tema! ¡Funky total!

Estimado o querido Aurelio.

2009-02-03T13:51:00.005+01:00

----Foto no cedida por Aurelio. Qué más quisiera yo---

Estimado o querido Aurelio-perdón, tengo dudas en el grado de querencia- Llevo bastante tiempo sin saber de ti.
Huiste y nunca más volviste a dar señales de vida. Por esto te envío esta carta, que no sé si llegará a tus manos o se unirá a las miles de cartas que nunca llegaron a su destino.
Quiero comunicarte que aún te recuerdo, y que conservo aquellos calzoncillos verde caqui de Emporio Armani que te sentaban tan bien y que te ponías en nuestras noches de rosas y vino.
Cuando quieras pasas por mi casa a recogerlos, no son mi talla y, además, el verde le sienta fatal al tono de mi piel.

Se despide tu amiga.
Maripili.

¿Me escuchas?

2009-02-02T01:02:00.011+01:00

-Sírveme otra copa, por favor.

Bebió un sorbo y preguntó al camarero.

-¿Te has enamorado alguna vez?

-Señor, yo... sí. Unas cuantas veces.

-No me refiero a esa clase de amor. Me refiero al amor que de repente te llega como un sarampión y contra el que no puedes hacer nada. Esa clase de amor tan fuerte que crees que no es posible amar tanto.

Apoyó la cabeza sobre la barra y comenzó a sollozar.

-Señor ¿Se encuentra bien? Creo que debería irse a su casa.

Levantó la cabeza y se secó las lágrimas con una servilleta de papel.

-Se ha acabado. Todo se ha acabado. La he perdido para siempre. ¿Me escuchas?

-Sí, le estoy escuchando.

-¿Por qué no paras un momento mientras te hablo?

-Señor, tengo que recoger y cerrar. Es muy tarde. Y usted no se encuentra en muy buenas condiciones.

-Quiero emborracharme. Quiero olvidar. La semana pasada me mandó a la mierda. Por teléfono... no quería verme. Me siento tan perdido sin ella... tan desgraciado. Todo se debe a mi manía de hablar y hablar.

Me gustaba hablarle todo el día y yo, tan adicto a escucharme a mí mismo, en pocas ocasiones presté mucha atención a las cosas que me contaba sobre sus sueños, sus recuerdos, sus anhelos, sus gustos... Estos últimos días estaba muy retraída, silenciosa. Y no supe detectar el problema. No pensé que el problema fuera yo.

Yo quería ser siempre su centro, el que llevaba la voz cantante. ¿Sabe lo que me dijo cuando se despidió de mí? Que había tenido mucha paciencia conmigo y que mi parloteo la ahogaba.

- ¿Por qué miras el reloj?¿También a ti te ahoga mi parloteo?

-Señor... No... Sólo que ya debería haberme ido a casa.

-De acuerdo... de acuerdo. Tienes razón. También te agobian mis palabras. ¿Una última copa y te digo cómo era ella?

-Señor... las tres de la madrugada. Y estoy cansado... realmente cansado. Y cómo siga así me veré obligado a echarle a la calle. Buenas noches, señor.

-Pero, yo quiero seguir contándole mi historia. Lo necesito. ¿Por qué es tan duro conmigo?

-¿Le parezco duro? Llevo aquí un buen rato, más del que debería, oyéndole hablar sin parar. ( Dios santo, lo qué tengo que aguantar. Este tío no se entera. No me extraña que su novia se hartase de este patán borracho que habla y habla y no piensa en los demás. Todos tenemos problemas, pero no vamos aburriendo al personal. Te dejó, te aguantas. Deberías aprender a escuchar.) Soy bastante comprensivo y tengo bastante aguante gracias a los años que llevo en este negocio, pero hay situaciones que me sobrepasan y ésta lo está haciendo. Me estoy reprimiendo de cogerle a usted por el brazo y sacarle a la calle. Me estoy reprimiendo de decirle que me tiene harto de sus problemas amorosos. Llámela usted por teléfono y pídale perdón por haber sido el patán más grande que se encontró en su camino. Hasta puede que tenga suerte y ella recapacite... Mire, yo soy un simple camarero e interpreto un papel: el de oyente de todas las tragedias humanas. Pero... pero, es que usted parece no entender mi situación: ¡ESTOY CANSADO! ¡QUIERO IRME A MI CASA DE UNA PUÑETERA VEZ!

-¿Le aburro?

-Ya le he dicho que estoy cansado y que quiero dormir. Vuelva usted mañana y me sigue usted contando.

-Amén. Bien, volveré mañana.

El camarero pensó que llamaría a su jefe para decirle que esa tarde no podía ir al trabajo por coger una gripe de aúpa. O mejor... un cólico de los que no te meneas. Sí, eso.... (un empacho de palabras).

Guerras cántabras.

2009-02-01T11:17:00.004+01:00

Guerras Cántabras. Desfile de las tribus del pueblo cántabro.
¿Cántabro, conoces esta fiesta que se celebra en Los Corrales de Buelna. del 24 de agosto al 2 de septiembre?
Espero ir este verano, de vadiniense,por supuesto.

Toru Takemitsu.

2009-01-30T17:59:00.006+01:00

Escuchar al compositor japonés Toru Takemitsu es escuchar a la Naturaleza junto a ti.
Una música envuelta en melancolía, armonía, sensibilidad y espiritualidad que enganchaba de forma serena a través de los sonidos acariciantes. Interesado sobre todo en el sonido del agua tanto en movimiento como en calma.

El compositor japonés Toru Takemitsu nació en octubre de 1930 y murió en 1996. Llegó a convertirse en uno de los creadores más destacados del panorama musical contemporáneo. Su obra se caracteriza por el deseo de establecer un puente entre oriente y occidente a partir de la convergencia entre la sensibilidad de su país y la influencia de la escuela francesa (Debussy, Messiaen), vienesa (Berg, Webern) y la americana, más su interés por el jazz, el country y el pop. Logra una mezcla original con la utilización de instrumentos tradicionales japoneses e instrumentos occidentales de vanguardia que logran sitúar a los instrumentos occidentales en un marco sonoro oriental.

Para el gran público, Takemitsu es conocido sobre todo por el ser el autor de la banda sonora de " Ran"de Akira Kurosawa.

"Sentía que los sonidos que aún no lograba producir existían ya, de manera inequívoca, en aquella quietud al claro de luna"
Mishima

Sobre las catedrales góticas.

2009-01-26T13:24:00.005+01:00

En 1966, el escritor Louis Charpentier anunció que los constructores de las primeras catedrales góticas trataron de imitar sobre el suelo de Francia el perfil de la constelación de Virgo.
Los enigmas en torno a la emergencia del arte gótico -esa suerte de art-got de piedra manejado por un puñado de maestros- palidecen ante los que propone la primera de sus catedrales: Chartres.Fue la única del nuevo estilo levantada de un tirón, la única en la que nunca faltó ni mano de obra, ni arquitectos, ni dinero.Y todo en una ciudad que en el siglo XII nunca superó los 15.000 habitantes. Sin embargo, y por raro que nos pueda parecer, hasta 1965 tantas incógnitas no llamaron la atención de nadie.

¿Puede un mero subidón de fe explicar por qué en menos de dos siglos, y sólo en Francia, se construyeron 2.136 abadías románicas? ¿O por qué allí mismo nació, como de la nada, un nuevo estilo arquitectónico más sutil, matemático y bello que los precedentes, con el que se levantaron nada menos que 96 catedrales? ¿De dónde salieron tantos y tan bien formados constructores?

Los enigmas en torno a la emergencia del arte gótico -esa suerte de art-got de piedra manejado por un puñado de maestros- palidecen ante los que propone la primera de sus catedrales: Chartres.Fue la única del nuevo estilo levantada de un tirón, la única en la que nunca faltó ni mano de obra, ni arquitectos, ni dinero.Y todo en una ciudad que en el siglo XII nunca superó los 15.000 habitantes. Sin embargo, y por raro que nos pueda parecer, hasta 1965 tantas incógnitas no llamaron la atención de nadie.

Ese año un escritor francés, llamado Louis Charpentier, se detuvo en esta ciudad ubicada a 90 kilómetros al suroeste de París, y se dio de bruces con el misterio. Era 21 de junio. Aquel día un grupo de personas se arremolinaba en un rincón de la nave derecha del templo, a la espera de un prodigio. Y llegó. A las 12 en punto, el primer rayo del sol de mediodía atravesó un pequeño orificio circular practicado en el vitral de San Apolinar e iluminó la única baldosa del enlosado que parecía fuera de lugar. Hoy, cuatro décadas más tarde, el prodigio sigue repitiéndose y es ya toda una atracción turística.

MILAGROS DE LUZ. Ese milagro de la luz sobrecogió tanto a Charpentier que se prometió recoger en un solo libro todos los misterios del lugar. El enigma de la catedral de Chartres se publicó al año siguiente, convirtiéndose en un clásico de la historia oculta que todavía se reedita. Basta leerlo para comprobar que el prodigio luminoso presenciado por Charpentier fue sólo un pretexto para dar a conocer sus teorías sobre el arte gótico. Yo mismo he visto varios de esos milagros de la luz en otros templos.

Sin ir más lejos, cada equinoccio de primavera o de otoño, un rayo de sol del mediodía ilumina durante ocho minutos un capitel de la ermita de San Juan de Ortega, en el Camino de Santiago burgalés. La escena alumbrada muestra la anunciación de la Virgen y recoge el momento en el que un rayo divino fecunda a María.Un rayo que, gracias al primitivo arquitecto del lugar, cobra vida impactando sobre Nuestra Señora dos veces al año y marcando de paso el cambio de estación.

Charpentier jamás ignoró que, en la Edad Media, iglesias y catedrales actuaron como calendarios y relojes. Marcadores de fiestas y cosechas para un tiempo en el que no existía un modo mejor de medir el tiempo. Y esa práctica se extendió hasta entrado el siglo XVIII, que es cuando, según algunos estudios, se reajustó el reloj solar de Chartres.Pero aquella catedral escondía mucho más que un marcador de solsticios. Era todo un templo cósmico.

Chartres fue levantada hacia 1220 y consagrada de inmediato a la Virgen. Fue una apuesta osada para su tiempo. El culto a Nuestra Señora emergió en esas fechas con una fuerza imprevista, y sólo en el condado de Champaña se erigieron un conjunto de catedrales cuya disposición sobre el mapa recordaba la forma del rombo central de la constelación de Virgo. Aquello no podía ser casual.

Louis Charpentier, fiel a su estilo, subrayó el problema con precisión quirúrgica: «Si superponemos a las estrellas los nombres de las ciudades donde se hallaban esas catedrales, la Espiga de la Virgen (estrella Spica) sería Reims; Gamma, Chartres; Zeta, Amiens; Epsilon, Bayeaux En las estrellas menores encontramos Évreux, Étampes, Laon, todas las ciudades con Nuestra Señora de la buena época».

El problema me fascinó. ¿Cómo era posible que en plena Edad Media un grupo de constructores decidiera marcar sobre una superficie de 33.600 kilómetros cuadrados, parecida al Principado de Asturias, el perfil de una constelación? ¿Y para qué? Obsesionado, recogí cuanta información pude y terminé escribiendo una novela a la que titulé Las puertas templarias, para explicar del mejor modo posible semejante enigma. No todas las piezas encajaban. Varias estrellas importantes de Virgo -como Beta Virginis- quedaban sin correspondencia catedralicia. Sin embargo, pese a esos desajustes menores, lo que más me sorprendió fue descubrir que esa obsesión por imitar el cielo sobre la tierra era muy antigua, y en absoluto cristiana.

Veamos: en la frontera entre Armenia y Turquía, por ejemplo, el pueblo de los yezidis todavía sostiene que en el pasado existieron siete torres, construidas sobre Níger, Sudán, los Urales, el Turkestán, Liberia, Irak y Siria, cuya disposición imitaba a la Osa Mayor. Bajo su óptica, marcaron importantes lugares de poder, verdaderas puertas de acceso de las energías satánicas a la Tierra. En palabras del historiador francés Michel Lamy, «se suponía que estas torres estaban situadas en unos lugares en los que la comunicación con las fuerzas subterráneas era posible».

¿Pretendieron eso los constructores de catedrales? ¿Abrir puertas de acceso a una realidad trascendente?

Siglos antes, los antiguos egipcios pusieron en práctica exactamente la misma idea. Creían que su país era un reflejo perfecto del cielo, acuñando así la máxima hermética de «así como es arriba es abajo». De hecho, una de las teorías más populares para explicar la orientación de las pirámides es que éstas imitaron ciertas estrellas del firmamento nocturno.

Pero no unas estrellas cualesquiera, sino aquéllas llamadas por sus milenarios textos religiosos El Duat. Bajo ese nombre se conoció en Egipto a las tres estrellas del cinturón de Orión -las que llamamos popularmente las tres Marías-, y a éstas las consideraron la puerta simbólica por la que el faraón accedía a los reinos del más allá. Las pirámides, por tanto, fueron modelos en piedra de esa entrada, lugares de iniciación en los que el gobernante de Egipto se preparaba para el viaje más importante de su existencia.

¿Inspiraron esas remotas creencias a los constructores de las catedrales francesas?

CRISTIANISMO EGIPCIO. Christian Jacq, egiptólogo y novelista notable, es también autor de varios libros sobre el significado oculto de las catedrales. En algunos de ellos subraya las más que notables conexiones entre la fe de los faraones y la que alimentó a los diseñadores de los primeros templos góticos. Los de la «buena época», que diría Charpentier. Esas coincidencias van desde los pequeños detalles hasta el significado profundo de ciertos ritos. Jacq subraya varios. «En los papiros egipcios», escribe, «se dibujaban con tinta roja los primeros jeroglíficos de un capítulo. Encontramos la misma práctica en las obras litúrgicas cristianas de las que conocemos las rúbricas, es decir, las rojas».Y si a detalles así le sumamos los evidentes paralelismos iconográficos existentes entre las estatuas de Isis y el niño Horus en el regazo, con las de María y el pequeño Jesús, o la coincidencia entre el Juicio Final pintado en papiros egipcios con aquellos representados en los frontis de todas las catedrales góticas -incluyendo las españolas de Burgos o León-, las conexiones egipcias se hacen insalvables.

Hubo -y he aquí el gran misterio- una tradición que relacionó el culto a las estrellas con la veneración a diosas femeninas, que nació junto al Nilo y que impregnó la cristianísima Edad Media europea. Conociendo este dato, tal vez ahora sí podamos resolver este viejo enigma, extraído de un texto de inspiración egipcia conocido como Tabula smaragdina:

Cielo arriba / cielo abajo; / estrellas arriba / estrellas abajo; / todo lo que está encima, debajo se muestra.

Feliz aquél que el acertijo resuelva.

Louis Charpentier. El enigma de la catedral de Chartres. Ed.Martínez Roca. Barcelona, 2002.

Christian Jacq. El misterio de las catedrales. Editorial Planeta.Barcelona, 1999.

Javier Sierra. Las puertas templarias. Ediciones Martínez Roca.Barcelona, 2000."

Por Javier Sierra.

Sobre Pigmalión.

2009-01-25T11:06:00.010+01:00

Pigmalión era un escultor, además de sacerdote y rey sabio y bondadoso, (vamos,un chico completo, pero con un defecto: no le gustaban las mujeres) que vivía en la isla de Creta. Un día, modeló una estatua tan bella, a la que denominó Galatea, que se enamoró de ella y rogó al cielo que le diera vida y sensibilidad. Era para él el cúlmen de la perfección femenina.

"Dioses soberanos-exclamaba,- si es verdad que vuestro poder no tiene límites, haced que de una criatura adorable, pueda yo hacer mi esposa!".
(qué manía con casarla tenía el misógino escultor cretense)

Al acabar esta invocación se acerca a la estatua y le parece que tiene ya movimiento; pálpala con sus manos y siente como si el mármol se reblandeciese. Asombrado ante tal prodigio no se atreve a entregarse a la alegría que le domina. Pálpala una y otra vez y la siente menos fría; la sangre circula ya por sus venas. Apríétale la mano y posa en ella sus labios. No era ya una estatua:ella puede verle y oírle, baja de su pedestal y se dirige a él. La felicidad de Pigmalión no es ya un sueño: es la más dulce y la más querida de las realidades.

Se casaron, comieron perdices y tuvieron un hijo. ( Creo que la estatua hubiera sido siendo el cúlmen de la perfección y de la belleza no habiendo bajado del pedestal).

Siglos después, el escritor irlandés George Bernard Shaw, inspirándose en este mito recogido previamente por Ovidio en sus Metamorfosis, realiza la trama de una obra de teatro a la que tituló" Pigmalión". Obra con gran encanto por el humor con que trata a los personajes y a la sociedad de su época.

Galatea pasa a ser una humilde y ordinaria vendedora de flores, Eliza Doolittle, y Pigmalión es el profesor Higgins, quien por una apuesta con un cierto coronel de su británica majestad intentará convertir a la ordinaria Eliza en una dama refinada. La chica le abandona.

Con el séptimo arte, la obra de Shaw fue adaptada para la gran pantalla en "Pigmalión", de 1938. Unos treinta años después, se llevó de nuevo el mito al cine como "My fair lady", basada en un comedia musical. Con final feliz, que para eso los productores soltaban la pasta y no era cuestión de que la chica se largase y dejase al profe de lingüística a dos velas.

¡Qué gran musical! Ocho óscares, tres globos de oro, entre otros premios.

¡ Qué actores! Rex Harrison, Audrey Hepburn.

Puntualizo: sólo para amantes del cien musical.

Hay más películas sobre este mito: "Educando a Rita" por ejemplo, (la chica también se va) o la más reciente, "Pretty Woman": comedia romántica, rosa, rosa, rosa. Todo un éxito comercial... para algo infumable. Sin más comentarios para la Pretty. Salvables, sólos los actores, y el temazo de Roy Orbison.
Y sin olvidarnos de "Barbarella" o de la creación robótica de "Metrópolis", cuyo germen se encuentra en el cuento de Villiers La mujer futura", o los replicantes de "Bladerunner" o los cyborg de "Matrix", pero, my friends, esto merece tema aparte.

"Pigmalión" De Augusto Monterroso.

En la antigua Grecia existió hace mucho tiempo un poeta llamado Pigmalión que se dedicaba a construir estatuas tan perfectas que sólo les faltaba hablar.
Una vez terminadas, él les enseñaba muchas de las cosas que sabía: literatura en general, poesía en particular, un poco de política, otro poco de música y, en fin, algo de hacer bromas y chistes y salir adelante en cualquier conversación.

Cuando el poeta juzgaba que ya estaban preparadas, las contemplaba satisfecho durante unos minutos y como quien no quiere la cosa, sin ordenárselo ni nada, las hacía hablar.

Desde ese instante las estatuas se vestían y se iban a la calle y en la calle o en la casa hablaban sin parar de cuanto hay.

El poeta se complacía en su obra y las dejaba hacer, y cuando venían visitas se callaba discretamente (lo cual le servía de alivio) mientras su estatua entretenía a todos, a veces a costa del poeta mismo, con las anécdotas más graciosas.

Lo bueno era que llegaba un momento en que las estatuas, como suele suceder, se creían mejores que su creador, y comenzaban a maldecir de él.

Discurrían que si ya sabían hablar, ahora sólo les faltaba volar, y empezaban a hacer ensayos con toda clase de alas, inclusive las de cera, desprestigiadas hacía poco en una aventura infortunada.

En ocasiones realizaban un verdadero esfuerzo, se ponían rojas, y lograban elevarse dos o tres centímetros, altura que, por supuesto, las mareaba, pues no estaban hechas para ella.

Algunas, arrepentidas, desistían de esto y volvían a conformarse con poder hablar y marear a los demás.

Otras, tercas, persistían en su afán, y los griegos que pasaban por allí las imaginaban locas al verlas dar continuamente aquellos saltitos que ellas consideraban vuelo.

Otras más concluían que el poeta era el causante de todos sus males, saltaran o simplemente hablaran, y trataban de sacarle los ojos.

Antrophos: Natura et nurtura.

2009-01-16T12:38:00.005+01:00

En febrero de 2001 se anunció que el genoma humano no contiene cien mil genes, como se creía en un principio, sino sólo treinta mil. Esta revisión llevó a los científicos a pensar que no existen suficientes genes humanos para todos los tipos diferentes de comportamiento, por lo que nuestro carácter debe de formarse a partir del entorno o del ambiente, no de la genética.

Desde 1900, año que comenzó la genética molecular y sobretodo desde 1953, año en que Craig Venter descifra la secuencia completa del genoma humano, existe dentro de la comunidad científica una dicotomía entre los partidarios de que nuestro entorno es decisivo en la diversidad de la especie humana y entre los que defienden la herencia genética como única clave que influye decisivamente en nuestra naturaleza.

A raíz del nuevo descubrimiento en el año 2001, esa pugna se agudiza entre los defensores de la "natura"- naturaleza o herencia y los partidarios de la "nurtura" -el entorno o ambiente- que englobaría la educación, la cultura, la familia y todos aquellos elementos externos que pueden influir en nuestra naturaleza.

El investigador Matt Ridley, después de 100 años de enfrentamientos, señala que el ambiente depende de los genes y que los genes necesitan de él, ya que éstos absorben experiencias formativas, reaccionan a factores sociales e incluso hacen funcionar la memoria. El ser humano es una mezcla de voluntad libre y a la vez está infuido por el instinto y la cultura. Es una interacción entre ambos factores: natura y nartura.

Los genes son los que gestionan que la mente humana aprenda, recuerde, cree lazos afectivos, absorba cultura, Pero éstos no son meros títeres, ni son solamente los portadores de la herencia. Su actividad dura toda la vida y se activarán y desactivarán mutuamente respondiendo al ambiente. Puede que dirigan la construcción del cuerpo y el cerebro en el útero, pero luego se ponen a desmantelar y reconstruir lo que han hecho casi inmediatamente en respuesta a la experiencia y las circunstancias ambientales que encuentran el el camino.

Es un pequeño resumen del libro de Matt Ridley."Qué nos hace humanos" Ed. Tauros.

Sostiene frente a los genetistas o partidarios exclusivamente de la herencia y los empiristas o ambientales, partidarios sólamente del entorno, que los seres humanos somos el resultado de una interacción entre los dos: herencia y ambiente. Los genes influyen en la conducta pero lo hacen a través del mundo que hay alrededor.

Grandes del blues. John Lee Hooker.

2009-01-05T17:28:00.005+01:00

John Lee Hooker: 1907-2001.
Guitarrista y cantante del Delta. Uno de los máximos representantes de la herencia del blues rural del Mississippi, con un ritmo muy marcado y un estilo de guitarra acústica sencillo y duro al que luego unió el rhythm and blues electrificado de Chicago, creando un estilo inconfundible. Destaca en él su voz profunda y gutural, que en un principio no fue considerada apta para cantar blues.
Su inimitable estilo, que prescindía de la rima y a veces hasta de seguir el ritmo, marcó a varias generaciones de músicos.

Lástima, viejo John, no haber coincidido contigo en las tierras del Delta o en la gran Chicago, cantando de tugurio en tugurio. Me confundí de época y de lugar.

La Señora de la nieve.

2009-01-05T11:22:00.007+01:00

Desde que era una niña he amado la nieve. Recuerdo que me quedaba embobada, mirando los blancos copos que caían y dejaban su huella sobre el suelo. Pero la nieve no le gustaba la gente. Su presencia significaba frío e incomunicación. Todos añoraban los días cálidos del verano y no paraban de despotricar contra ese molesto fenómeno atmosférico que en invierno siempre aparecía.

Un día, la nieve, decepcionada y triste, recogió su manto y se fue a una gruta situada en la montaña más alta para dormir un sueño eterno. Se había convertido en una inclemencia indeseada e innecesaria.

Pasaron los años y la nieve nunca más volvió a aparecer. Ya nadie la recordaba ni echaba de menos, excepto yo, que, a pesar del paso del tiempo, seguía necesitando la presencia de la hermosa alfombra blanca. Me resultaba tan difícil olvidar las sensaciones que me había producido que me gustaba describir a mis hijas la forma en que los copos caían revoloteando a mi alrededor y como se tejía, en poco tiempo, un gran manto que cubría todo el paisaje; como el sol reflejaba su luz; el matiz metálico que tomaba el entorno; el frío de su tacto; el silencio de las pisadas o cómo un pequeño puñado se deshacía con el calor de la boca. Pero, mis hijas eran incapaces de comprender con nitidez algo que nunca habían visto.

Por suerte, encontré unas fotos de mi niñez tomadas un día en que una gran nevada cubría nuestro pueblo. Cuando contemplaron esas fotos, mis hijas me dijeron que deseaban que la nieve regresara para comprobar por sí mismas todo lo que yo les había contado.
Era tal su ansia que decidimos ir al refugio de la Señora de la nieve para despertarla. Una vez que localizamos la gran gruta en la que se había retirado, pasamos a su interior y caminamos hasta llegar a una amplia sala bajo una gran bóveda. Allí estaba la Señora, dormida sobre un lecho de hielo de tonos azulados, cubierta por una túnica totalmente blanca y con sus largos cabellos de un blanco argentino enmarcando su rostro.

En silencio nos dirigimos a ella y tocamos sus manos de hielo. Luego, yo me acerqué hasta su rostro para decirle lo que la recordaba y la necesitaba y para pedirle que regresara otra vez a nuestro mundo. Pero, a pesar de mis ruegos, la Señora de las nieves no pareció escucharme. Cabizbajos regresamos a nuestro hogar.
Todos los días, al levantarme, lo primero que hacía era asomarme a la ventana para ver si había despertado, pero la Señora no daba señales de vida.

Hasta que una mañana de enero ella apareció. Contemplé entusiasmada como cientos de grandes copos caían del cielo encapotado. Salí corriendo a la calle y comencé a reír y a saltar como hacía cuando era una niña.

Había despertado y había regresado con nosotros.

Despido el año con esta canción.

2008-12-30T18:34:00.012+01:00

¿Y por qué esta canción?

Me trae muchos recuerdos y porque tiene un juego de guitarras increíble muy al estilo de grupos de la costa oeste americana.

Melancolía que se asienta en mi regazo. Melancolía que me corroe el alma. Melancolía por no verte; por no saber de ti.

Melancolía sin tu presencia. Melancolía al escuchar una música. Melancolía al observar un paisaje y saber que tras ese horizonte te hallas tú. Melancolía que me ahoga en momentos como éste en que busco el menor atisbo de tu existencia.
Días soleados, llenos de luz que traen a mi mente el recuerdo de esos días en que nos mimábamos con palabras y sueños.

El árbol de Navidad.

2008-12-29T14:39:00.003+01:00

El árbol más alto de la plaza de un pueblo agitó sus ramas para avisar a los otros árboles de la aparición repentina de un nuevo especimen.

-Chicos, mirad al centro, tenemos un colega nuevo- les dijo.

-¿De qué colega hablas? Desde aquí no lo veo- Gritó un sauce llorón que ocupaba una de las esquinas de la plaza.

-Sí, ya lo veo- contestó un pino muy viejo. Pero, qué raro es. Nunca había visto algo igual. Dorado es su tronco, al igual que todas sus ramas-

-¡ Fijaos, le están colocando unas flores enormes ! -avisó un castaño.

- ¡No hay derecho!- protestó el pino - Este año se han olvidado de mí por ese jovencito. Ya no soy el centro de las miradas de los vecinos. Es injusto. Haced esto al más viejo del lugar. ¡A lo qué estamos llegando!

Cuando cayó la noche, el alcalde inaguró la festividad del solsticio de invierno con el encendido de las luces del árbol. Todos los adornos colocados alrededor del árbol se encendieron al mismo tiempo. El gentío recibió ese típico rito anual con aplausos y exclamaciones de admiración. Nunca, el árbol de Navidad había resplandecido tanto.

-¡Es precioso! ¡Cuánta luz tiene y cómo brilla!- gritaron también todos los árboles-

Todos, excepto el pino, que bajó sus ramas con tristeza, mientras los demás seguían con sus gritos de alborozo.

Naturalmente, el pino y los demás árboles no sabían-o habían olvidado- que había empezado la campaña para las próximas elecciones municipales,, y que, para esas navidades, el ayuntamiento había aumentado el presupuesto para decoración.

Moraleja: Cuando las elecciones están al llegar, todo político se acuerda de que hemos de votar, salvo el chaquetero, qué le da lo mismo o lo mismo le da.

Podría ser una de las canciones más bellas de la última hornada de creadores...

2008-12-22T12:33:00.014+01:00

"Gabriel" del dúo británico Lamb. Tema incluido en su primer álbum. Me enamoré de él desde la primera vez que escuché sus primeros compases en un anuncio de un coche.
Según la autora de la letra, Louise Rhodes, " habla de lo que supone sentir un gran amor hacia un ser humano en particular, cuando te sientes realmente afortunada por el hecho de que en el mundo existan personas así” y está inspirado por la obra del poeta religioso islámico Rumi.

I can fly
But I want his wings
I can shine even in the darkness
But I crave the light that he brings
Revel in the songs that he sings
My angel Gabriel

Puedo volar.
Pero quiero sus alas.
Puedo brillar aun en la oscuridad.
Pero deseo con fervor la luz que él porta.
Me regocijo en las canciones que él canta .
Mi ángel Gabriel.

I can love
But I need his heart
I am strong even on my own
But from him I never want to part
He's been there since the very start
My angel Gabriel
My angel Gabriel

Puedo amar,
pero necesito su corazón.
Soy fuerte, incluso por mí misma,
pero no quiero apartarme nunca de él.
Él ha estado aquí desde el principio.
Mi ángel Gabriel.
Mi ángel Gabriel.

Bless the day he came to be
Angel's wings carried him to me
Heavenly
I can fly
But I want his wings
I can shine even in the darkness
But I crave the light that he brings
Revel in the songs that he sings
My angel Gabriel.
My angel Gabriel.
My angel Gabriel .

Bendigo el día en el que llegó a la existencia.
Las alas de un ángel le trajeron hasta mí,
celestialmente.
Puedo volar,
pero deseo sus alas.
Puedo brillar incluso en la oscuridad,
pero reclamo la luz que él trae.
Me regocijo en las canciones que él canta.
Mi ángel Gabriel.

http://www.youtube.com/watch?v=XEUWFvT16f8

En el año 2007 se cumplieron 800 años del nacimiento de Jalal ud-Din Rumi (1207-1273), el mayor de los místicos islámicos, maestro sufí y un extraordinario poeta del amor. Nació en Afganistán, pasó por Irán y vivió y murió en Konia, Turquía. Era un erudito profesor de teología. Todo cambió en su vida cuando se encontró con la figura misteriosa y fascinante del monje errante Shams de Tabriz. Como se dice en la tradición sufí, fue «un encuentro entre dos océanos».La efusión del amor en Rumí es tan avasalladora que lo abraza todo: el universo, la naturaleza, las personas y sobre todo a Dios. En el fondo se trata del único movimiento de amor, que no conoce divisiones, sino que enlaza todas las cosas en una unidad última y radical.Como expresión de esta locura divina inventó la sama, la danza extática. Consiste en danzar girando sobre sí mismo y alrededor de un eje que representa al sol. Cada dzerviche –así se llaman los danzantes- se siente como un planeta girando alrededor del sol que es Dios.

Su poesía abarca toda época y cultura, todo misterio y toda verdad. Sus palabras brotan de un espacio de amor e inspiración, de un lugar donde el alma y su creador son uno mismo. Durante su vida, los musulmanes, los judíos y los cristianos se sintieron inspirados por sus palabras y utilizaron sus enseñanzas para iluminar las atemporales verdades espirituales de su fe.
Hasta nuestros días, casi ocho siglos después de su muerte, el mundo sigue encontrando inspiración en sus exquisitos versos. Resulta inevitable comprobar que revelan algún íntimo aspecto de nosotros mismos, que descubren algún anhelo secreto o que expresan perfectamente nuestros sentimientos más íntimamente guardados. Al captar el pulso espiritual de su época, Rumi ha abarcado todas las épocas. Al expresar el éxtasis de su corazón, ha conseguido tocar todos los corazones.

Busco como un halcón enfermo
que está en tierra por enfermedad.
No pertenezco a la gente de la tierra
ni puedo volar por el cielo.
Divan. vs.356

Cada vez que recuerdo
la mano del Rey,
mi corazón arde con fuego.
No tengo alas para volar.
Mis alas no me ayudan.
Divan.vs.357

De la oveja Dolly al Homo neanderthalensis.

2008-12-18T14:44:00.005+01:00

Algunos científicos aburridos de clonar ovejas, cerdos, ranas, ratones, ratas, conejos, mulas, yeguas... y otros animales de tierra, mar y aire, nos comunican en revistas científicas que han conseguido secuenciar el genoma del mámut.
Hace pocos días, los dos científicos, por lo que detecto, grandes fans de "Parque Jurásico" y emuladores del genetista de la novela-, que han logrado la secuencia del genoma mamutiano,- anunciaron la posibilidad de clonar a estos grandes proboscídeos elefántidos, ya extinguidos hace... 6000-8000 años, como todos sabemos, para después enviarlos a pastar a las estepas, supongo.

Pero el asunto de la clonación no ha quedado en este mamífero, puesto que han añadido que es posible recrear un mamiféro bípedo y con raciocionio: el Homo neanderthalensis, especie del género homo desaparecida hace unos 30.000 años(+-).
¿Cómo se conseguiría esta especie más robusta y corta que la nuestra ? Muy fácil: primero se mezclaría genoma de neandertal con genoma de un chimpancé que se tenga a mano para experimentos; con posterioridad, el genoma del chimpancé sería modificado progresivamente hasta que fuese casi igual al de los neandertales. Y por último, se crearía un embrión que sería implantado en un chimpance, con lo que se podrá obtener... ¿Lo qué y para qué?

¿Lo qué?
- El hombre mono o una especie de Tarzán con Chita incluida.
-Cualquier cosa.

¿Para qué?
- Para ser utilizado como cobaya humana para experimentar y que tragase sin poner objeciones y pleitos que dieran lugar al pago de una suculenta suma de dólares, euros o la moneda en uso del lugar por parte de los investigadores debido a los atropellos cometidos sobre el pobre clonado.
- Como especimen para ser exhibido en Las Vegas, ferias, saraos, congresos y eventos científicos.
-Como currito sin paga ni derechos sociales.
-Como mascota "rara" para fardar ante los demás.
- Para ganar un pastón en reallity-shows o programas basura.

Queridos Reyes magos:

2008-12-17T12:42:00.010+01:00

Queridos Reyes Magos:

Hace un año, más o menos por estas fechas, os envié una carta en la que os pedía un libro de páginas vacías para poder rellenarlo a mi antojo. También os pedí que os llevaséis todo lo malo que el año anterior se había dejado en el tintero.

Bien, cumplisteis con mi primer deseo. Me dejasteis un cuaderno con todas las páginas en blanco, y pocas páginas me quedan para terminarlo. Así que este año os pido otro cuaderno nuevo, y, por favor, que el año 2009 sea mucho mejor, porque, la verdad, voy a ser franca con vosotros, este año debo calificarlo de "annus horribilis". Sí, Majestades, el 2008, ha sido un año llevo de altibajos, más bien bajos que altos, y, en fin, creo que me merezco un próximo año mucho mejor y que no vea obligada a tirar por la borda mis proyectos o, al menos, traed en vuestras alforjas la alegría de que alguno se cumpla.

Creo que siempre he cumplido con toda la parafernalia necesaria para que os sintierais bien en mi casa: surtido de polvorones y turrones en su bandejita; las tres copitas de fino cristal de Bohemia, reservadas exlusivamente para vosotros, con vino dulce para entonar el cuerpo; el agua para los camellos; las cartas, junto a la bandeja de viandas navideñas. Prometo sacar fuera del salón a mi perra para que no os dé un susto morrocotudo al entrar por la ventana.

Y, por último, este año, cuando vengáis al barrrio, haced menos ruido, porque al año pasado, con la tajada que traíais, después de haber bebido tanto vino, menudo follón armasteis. Todo el mundo asustado y asomado a la ventana, y, claro, no es cuestión de que los niños os vean llegar en tal situación.

Me despido de vosotros y espero que también os acordéis de ésta que os sigue siendo fiel y que pasa del gordo vestido de rojo y que viaja en trineo.

Saludos, Majestades.

Sobre Keith Haring

2008-12-01T12:56:00.010+01:00

Keith Haring fallecía en febrero de 1990. Un sida fulminante acababa con su vida a la edad de 31 años. El artista estadounidense que ya era todo un artista popular se convirtió en un auténtico mito.
Mucha gente conoce su trabajo pero pocos podrían decir su nombre. Haring cuando se trasladó a Nueva York para estudiar arte se encontró frente al Pop Art y la ebullición artística que estaba viviendo la Gran Manzana. A lo largo de 10 años de carrera pasó de ser un artista callejero que pintaba en las paredes del Metro a un profesional cotizado por galeristas y museos.

Haring es puro pop, puro artista que miraba la vida para incorporarla al arte, o al revés, utilizaba el arte para incorporarlo a cada parte de la vida. Con su trazo grueso, esquemático, repleto de color y rodeado de un halo irradiante, casi infantil, es la voz visual con un lenguaje simbólico de las inquietudes de miles de personas: drogas, sida, racismo, ecología...

Completo dominador de las artes gráficas: serigrafía, litografía y aguafuertes, Haring es un artista visual inconfundible. Comenzó a pintar graffitis con rotulador como imágenes similares a dibujos animados sobre anuncios en el metro de Nueva York. Más tarde le siguieron unas historietas dibujadas con tiza blanca sobre los paneles negros del metro reservados para publicidad. Intentó combinar en su obra el arte, la música y la moda, rompiendo barreras entre estos campos. La iconografía de sus dibujos incluye animales y figuras danzando, perros, bebés gateando, pirámides, televisiones, teléfonos y platillos volantes.

Día Universal de los Derechos del Niño.

2008-11-20T12:48:00.009+01:00

Cada país tiene una fecha diferente para celebrar el Día del Niño, pero hoy, en todas partes se celebrará el verdadero, ya que se conmemora o rememora la adopción por la Asamblea General de Naciones Unidas de la Convención de los Derechos del Niño, el 20 de noviembre de 1989.
Este día sirve para recordarnos y concenciarnos de que los niños son seres humanos con derechos, y que, aún estamos muy lejos de los objetivos aprobados en dicha Convención.
Los problemas más acuciantes de la infancia actualmente son:

-Mortalidad prematura.
-Trabajo y explotación laboral.
-Falta de escolarización.
-La guerra.
-Maltratos.
-Abusos sexuales.

En este día. la infancia será el tema de moda o preferente en los medios de comunicación, saldrán periodistas, políticos, tertulianos... para explicarnos y para hablar sobre lo mal que tratamos a los niños en el mundo y de la necesidad de concienciarnos de la situación en que viven-los que logran sobrevivir- millones de niños en todo el mundo todos, y mañana, pasado este día, será tema olvidado. Bueno, a ver si por lo menos este día sirve para decir basta a la explotación sexual de niñas y niños, y que se ese "basta" se plasme en medidas de protección mayor a menores ante cualquier tipo de agresión: legislativas, policiales y judiciales.
Se me viene a la memoria una iniciativa para celebrar el "Día del orgullo Pederasta" el 25 de junio y que casi nadie pusiera el grito en el cielo.
Menuda sociedad hipócrita: hoy nos llevamos todos las manos a la cabeza al conocer el aumento del tráfico de imágenes de pornografía infantil en Internet y el aumento de delitos de pederastia en todo el mundo.
Es necesario recalcar que los abusos sexuales a menores no se limitan a unas cuantas páginas de Internet. En realidad, la divulgación de estas aberraciones en la red no es sino la punta del iceberg de un sucio negocio global(, violencia sexual a niveles familiares y fuera de la familia, turismo sexual, venta de niños y niñas, pornografía infantil) cuya represión se ve obstaculizadas por la falta de cooperación de algunas autoridades de varios países, que prefieren hacer la vista gorda ante la violación sistemática del derecho a la integridad física y de la libertad sexual de las personas.

En cuanto a la situación de los abusos sexuales a menores en España: La cifra de pedofilos y pederastas viene aumentando de año en año y según un informe de la I Conferencia Internacional sobre explotación sexual, esta cifra aumentará alarmantemente de aquí a cinco años si no se pone freno con diversas medidas.Con la normativa vigente, los abusos a un menor tiene menos condena que el robo de un bolso. Junto a los abusadores familiares y vecinales, existe el hermano rico de la pederastia: son los miles de personas que viajan al extranjero para hacer turismo sexual y los que, sin viajar, consiguen niños en España pagando lo que haga falta para sesiones que hasta se graban en cámaras de vídeo.
Cómo se consiguen los niños?. En algunos casos la propia familia, de pocos recursos económicos, los vende. Una segunda vía es usar al niño como moneda de cambio en el trapicheo de la droga, ya que hay veces en que los traficantes piden de garantía a la mujer y a los hijos. Si el comprador no tiene el dinero pactado, el vendedor se queda con la familia y la utiliza para el mercado de la pederastia o la prostitución.

Convención de los Derechos del Niño: Consta de 54 artículos aprobados para la mejora de la vida de los niños y niñas. Y son:

Definición del niño (artículo 1)
La Convención se aplica a todas las personas menores de 18 años.

No discriminación (artículo 2)
Todos los niños tienen los mismos derechos independientemente de su raza, color, sexo, idioma, religión, posición económica, discapacidad, etc.

Interés superior del niño (artículo 3)
Todos las decisiones que tomen los estados, las instituciones de bienestar social, los tribunales, etc. atenderán siempre al interés superior del niño.

Aplicación de los derechos (artículo 4)
Los estados deben velar por el cumplimiento de los derechos de la Convención.

Orientación de los padres y madres (artículo 5)
Las autoridades deben respetar a los padres o tutores responsables de la educación de los niños.

Supervivencia y desarrollo (artículo 6)
Todos los niños tienen derecho a la vida. Los estados garantizarán su supervivencia y desarrollo.

Nombre y nacionalidad (artículo 7)
El niño tiene derecho a ser inscrito en un registro cuando nace, recibir un nombre y una nacionalidad y, en la medida de lo posible, a conocer a sus padres y ser cuidado por ellos.

Identidad (artículo 8)
Las autoridades deben preservar la identidad del niño, incluidos la nacionalidad, el nombre y las relaciones familiares.

Separación de los padres (artículo 9)
Ningún niño o niña puede ser apartado de sus padres al no ser que sea por su bien por existir maltrato o descuido. En caso de separación de los padres, debe garantizarse que el menor pueda ver a ambos progenitores.

Reunión de la familia (artículo 10)
Si el niño vive en un país diferente al de sus padres tiene derecho a ir a ese estado para verles o que ellos viajen a donde está él para reunirse con él.

Traslado y detenciones ilícitas (artículo 11)
Las autoridades deben luchar contra los traslados ilícitos de niños al extranjero y la retención ilícita.

Opinión de niños, niñas y jóvenes (artículo 12)
Los menores tienen derecho a expresar su opinión libremente en todos los asuntos que le afecten en función de su edad y madurez. Su opinión tiene que ser tenida en cuenta por los adultos.

Libertad de expresión (artículo 13)
El niño tendrá derecho a la libertad de expresión, lo que incluye la libertad de buscar, recibir y difundir informaciones e ideas.

Libertad de conciencia, religión y pensamiento (artículo 14)
Las autoridades deben respetar la libertad de pensamiento, de conciencia y de religión del menor. Los padres podrán guiar al niño en estos asuntos.

Libertad de asociación (artículo 15)
Los niños tienen derecho a la libertad de asociación y la libertad de celebrar reuniones pacíficas.

Protección de la intimidad (artículo 16)
Los menores tienen derecho a una vida privada propia sin injerencias arbitrarias o ilegales en su familia, domicilio o correspondencia. Tiene igualmente derecho a que nadie atente contra su honra y su reputación.

Acceso a una información adecuada (artículo 17)
Los niños tienen derecho a recibir información a través de libros, medios de comunicación. Los adultos velarán para protegerles de los contenidos perjudiciales para su bienestar.

Responsabilidades de los padres (artículo 18)
Los padres tienen la obligación para educar a sus hijos y las autoridades deben prestarles asistencia con la creación, por ejemplo, de instalaciones y servicios para el cuidado d los niños.

Protección contra los malos tratos (artículo 19)
Los estados deben proteger al niño contra los malos tratos y la explotación, incluida la sexual.

Protección de los niños sin familia (artículo 20)
El estado debe proteger y asistir a los niños que temporal o permanentemente no tengan familia. Para ello promoverán su acogida, adopción o su colocación en instituciones que velen por él.

Adopción (artículo 21)
En caso de adopción, por encima de todo, debe cuidarse el interés superior del niño.

Niños refugiados (artículo 22)
El niño refugiado deberá recibir la protección y asistencia humanitaria adecuadas para que pueda disfrutar de sus derechos. En caso de estar separado de su familia, las autoridades tienen que ayudarle a encontrar a sus padres o familiares.

Las niñas y los niños discapacitados (artículo 23)
En caso de discapacidad, los menores tienen derecho a recibir la atención necesaria para garantizar su asistencia sanitaria y educativa. Los estados deben ayudarle en su capacitación para que disfrute de una vida plena.

La salud y los servicios sanitarios (artículo 24)
Las autoridades deben garantizar el acceso a los servicios sanitarios y trabajar para reducir la mortalidad infantil y compatir la desnutrición, entre otras medidas.

Condiciones de internamiento (artículo 25)
Si un niño está internado para cuidar de su salud física y mental, tiene derecho a exámenes periódicos sobre su estado y las demás circunstancias de su internamiento.

Seguridad Social (artículo 26)
Los niños tienen derecho a beneficiarse de la seguridad social.

Nivel de vida (artículo 27)
Todo niño tiene derecho a un nivel de vida adecuado para su desarrollo físico, mental, espiritual, moral y social. A las personas encargadas del niño tienen la responsabilidad de proporcionar, dentro de sus posibilidades y medios económicos, las condiciones de vida que sean necesarias para su desarrollo.

Educación (artículo 28)
Los niños tienen derecho a la educación. La enseñanza primaria debe ser obligatoria y gratuita para todos. Los estados tienen que facilitar el acceso a la educación secundaria y a la universidad. Los castigos en las escuela no podrán ser ni humillantes ni indignos.

Objetivos de la Educación (artículo 29)
La Educación debe dirigirse a desarrollar la personalidad, las aptitudes y la capacidad física y mental del niño, a inculcar al menor el respeto a los derechos humanos, a inculcar el respeto a sus padres, de su propia identidad cultural, de su idioma y sus valores. La Educación debe preparar al niño para asumir su vida responsable en una sociedad libre. También buscará inculcar al niño el respeto al medio ambiente.

Minorías étnicas y religiosas (artículo 30)
Los niños que sean de una minoría étnica, religiosa o lingüística en el lugar en el que vivan, tienen derecho a que se respete su identidad.

El ocio y la cultura (artículo 31)
Los menores tienen derecho a jugar y a participar en la vida cultural y artística.

El trabajo infantil (artículo 32)
Los estados reconocen el derecho del niño a estar protegido contra la explotación económica y contra el desempeño de cualquier trabajo que pueda ser peligroso o entorpecer su educación, o que sea nocivo para su salud o su desarrollo. Los países deberán fijar una edad mínima para trabajar.

Uso de drogas ilegales (artículo 33)
Los niños deben estar protegidos contra el consumo de drogas

Explotación sexual (artículo 34)
Las autoridades deben impedir la explotación sexual de los niños y su participación en espectáculos y materiales pornográficos.

Venta y secuestro de niños (artículo 35)
Los gobiernos tienen que impedir la venta, el secuestro y la trata de menores para cualquier fin o en cualquier forma.

Otras formas de explotación (artículo 36)
Los estados protegeran a los menores contra las demás formas de explotación que sean perjudiciales para el bienestar de los menores.

Tortura y cárcel (artículo 37)
Ningún niño será sometido a torturas ni a otros tratos o penas crueles, inhumanos o degradantes. No se impodrá la pena capital ni la prisión perpetua por delitos cometidos por menores de 18 años de edad. Ningún niño puede ser privado de su libertad ilegal o arbitrariamente. Todo niño privado de libertad deberá ser tratado con humanidad y respeto y tendrá acceso a asistencia jurídica.

Conflictos armados (artículo 38)
En caso de guerra, los estados no podrán reclutar a menores de 15 años. Las autoridades deberán velar especialmente por la protección de los niños y niñas en los conflictos armados.

Recuperación y reinserción social (artículo 39)
Las autoridades adoptarán medidas apropiadas para que los niños que hayan sido víctimas de cualquier abuso, maltrato, tortura, etc. se recupere física y psicológicamente y se reintegre de nuevo en la sociedad.

Justicia y menores (artículo 40)
Los niños tendrán derecho a defenderse con todas las garantías cuando se les acuse de haber cometido un delito. Los jueces y abogados tendrán que ser especialmente cuidadosos en los juicios a menores de 18 años. Los estados deberán fijar una edad antes de la cual se presumirá que los niños no tienen capacidad para infringir leyes penales.

La ley más favorable (artículo 41)
Al niño siempre se la aplicará la ley más favorable.

Difusión de la Convención (artículo 42)
Los niños tienen derecho a conocer los derechos de la Convención y los gobiernos tienen el derecho de darla a conocer entre los niños, los jóvenes y las personas adultas.

Cumplimiento de la Convención (artículos del 43 al 54)
En estos doce últimos artículos no se recogen más derechos. Están dedicados a los mecanismos articulados para vigilar por el cumplimiento de la Convención. Para ello, por ejemplo, existe un Comité de los Derechos del Niño integrado por diez expertos. Este órgano exige a los gobiernos que han ratificado el documento que se sometan a informes periódicos sobre la situación de los derechos de los niños en sus países.

Los Ig Nobel de 2008

2008-11-05T16:52:00.002+01:00

Los premios IG Nobel, es un galardón que se da todos los años a los inventos más absurdos desde que fue creado hace doce años por la revista Anales de la Investigación Improbable (Annals of Improbable Research). En la celebración colabora la Universidad de Harvard (EE UU) y acuden verdaderos premios Nobel .Como cada año, la revista entrega estos premios Inmunoglobulina Nobel, o Anti Nobel, a aquellas publicaciones e investigaciones científicas que “primero te hacen reír y después pensar”. El objetivo es destacar investigaciones reales, y realizadas con seriedad, pero cuya temática o desarrollo, de entrada, es cuanto menos risible. No obstante, muchas de ellas tienen un aporte importante y una utilidad destacable,aunque con frecuencia no es fácil verlo! Estos han sido los agraciados de este año:

NUTRICIÓN: Massimiliano Zampini, de la Universidad de Trento, Italia, y Charles Spence, de la Universidad de OXford, Reino Unido, por modificar electrónicamente el sonido de una patata chip para que la persona que la mastica pensara que era más crujiente y fresca de lo que era realmente.

PAZ: El Comité Federal Suizo de Ética sobre Biotecnología No Humana y a los ciudadanos de Suiza por adoptar el principio legal de que las plantas tienen dignidad.

ARQUEOLOGÍA: Astolfo Gomes de Mello Araujo y Jose Carlos Marcelino, de la Universidad de São Paulo, Brasil, por medir cómo durante el curso de la historia, o al menos los contenidos de una excavación arqueológica concreta, pueden ser revueltos por las acciones de un armadillo.

BIOLOGÍA: Marie-Christine Cadiergues, Christel Joubert y Michel Franc, de la Escuela Veterinaria Nacional de Tolouse, Francia, por descubrir que las pulgas que viven en un perro pueden saltar más alto que las que viven en un gato.

MEDICINA: Dan Ariely, de la Universidad Duke, EEUU, por demostrar que medicamentos falsos y caros son más efectivos que medicamentos falsos y baratos.

CIENCIA COGNITIVA: Toshiyuki Nakagaki, de la Universidad de Hokkaido, Hiroyasu Yamada, de Nagoya, Ryo Kobayashi, de la Universidad de Hiroshima, Atsushi Tero, de Presto JST, Akio Ishiguro, de la Universidad de Tohoku, Japón, y Ágotá Tóth, de la Universidad de Szeged, Hungría, por descubrir que los mohos del cieno pueden resolver puzzles.

ECONOMÍA: Geoffrey Miller, Joshua Tyber y Brent Jordan, de la Universidad de Nuevo Mexico, EEUU, por descubrir que el ciclo ovulatorio afecta a las ganancias en propinas de las bailarinas eróticas.

FÍSICA: Dorian Raymer, de la Iniciativa de Observatorios de Océanos de la Institución Scripps de Oceanografía, EEUU, y Douglas Smith, de la Universidad de California, San Diego, EEUU, por demostrar matemáticamente que montones de cuerda o cabellos, o de casi cualquier otra cosa, inevitablemente se terminan enmarañando y formando nudos.

QUÍMICA: Sheree Umpierre, de la Universidad de Puerto Rico, Joseph A. Hill, de los Centros de Fertilidad de Nueva Inglaterra, EEUU, y Deborah Anderson, de la Escuela Universitaria de Medicina de Boston y la Escuela Médica de Harvard, EEUU, por descubrir que la Coca-Cola es un efectivo espermicida, y a C.Y. Hong, de la Universidad Médica de Taipei, Taiwan, C.C. Shieh, P. Wu y B.N. Chiang, de Taiwan, por descubrir que no lo es.
LITERATURA: David Sims, de la Escuela de Casos de Negocios, Londres, Reino Unido, por su cariñosamente redactado estudio “Tú, bastardo: Una exploración narrativa sobre la Experiencia de la Indignación dentro de las Organizaciones”.

Los premios IG Nobel de años anteriores se pueden ver en wikipedia, barrapunto.com, por ejemplo.

José o la España actual.

2008-10-31T22:06:00.012+01:00

De todas las noticias de hoy, la que más me ha impactado es la de un hombre que se ha quemado" a lo bonzo" en Murcia.

¿Qué llevó a este hombre a rociarse con gasolina y pegarse fuego a las puertas del centro del consejo municipal de servicios sociales de Murcia? (Que nombre tan largo para tan poco servicio).

Según las primeras informaciones, el hombre, con graves problemas económicos, subsistía gracias a la ayuda de Cáritas y del Ayuntamiento de Murcia, que le había concedido una ayuda de subsistencia básica y se le había tramitado una renta básica de reinserción. Testigos de lo ocurrido aseguran que mientras ardía no paraba de gritar, "a mi nadie me ayudó".

Algún medio de comunicación carroñero y con la sensibilidad en los zapatos ha mostrado un vídeo de la agonía de este ser humano, llamado José.

Mañana o pasado mañana, José dejará de ser noticia.

Mientras..., nuestros políticos a su bola y tirando del Erario a tutiplem.

Y ante una historia real como ésta, se me hace absurdo escribir poesías de amores perdidos, de amores encontrados, cuentos que no vienen a cuento o hablar de cómo la luna brilla.

Curiosa noticia científica.

2008-10-17T14:09:00.006+02:00

Según un estudio científico, los NERDS, tienen mejor esperma.

En el estudio se realizaron una serie de tests de inteligencia a un grupo de hombres, y quienes tuvieron mejores resultados también eran quienes tenían el esperma más saludable. Y según estos investigadores buscaron un vínculo entre la inteligencia y la cantidad de espermatozoides sanos, y los inteligentes fueron los más prolíferos.
Pero, ¿Quienes son los Nerds?
¿Son seres humanos de laboratorio, mejorados en mente y cuerpo?
¿Son seres venidos de otros planetas, sistemas solares o galaxias?
Vayamos a San Google.

NERD es una palabra inglesa que designa a un estereotipo de persona que persigue apasionadamente actividades intelectuales, conocimientos esotéricos, u otros intereses que están en edad inapropiada en lugar de participar en actividades populares o sociales. Por lo tanto, un nerd es a menudo excluido de las actividades físicas y se lo considera un solitario por parte de sus compañeros, o tiende a asociarse con personas con ideas afines.

La primera aparición documentada de la palabra "nerd" es como el nombre de una criatura en el libro del Doctor Seuss If I Ran the Zoo (1950), en el cual el narrador Gerald McGrew dice que él capturará "un Nerkle, un Nerd, y una Seersucker también" para su zoo imaginario.1 El uso de la palabra se remonta a 1951,cuando la revista de Newsweek cuenta que es de uso común en Detroit, Michigan.2 A principios de los años 1960, el uso del término se había extendido por todos los Estados Unidos e incluso Escocia. A lo largo de esta primera década, la definición permaneció por botarate y era, entonces, un sinónimo para "ignorante" o "feo y aburrido". Fue más tarde, en los años 70, cuando la palabra tomó las connotaciones de ratón de biblioteca e inaptitud social.
En los años 1990, el término nerd desarrolló connotaciones positivas dentro de las esferas sociales conectadas con los ordenadores e Internet, entre otros campos. En este contexto, nerd define a personas expertas en cuestiones técnicas que están orgullosas de ello, ya que su condición puede potenciar su éxito en el sector informático, científico, cultural y artístico.

O sea, que toda mujer para procrear debemos buscar a un solitario ratón de biblioteca o un fanático de los ordenadores antes que a un tipo cañón, no sea que las criaturas nos salgan de la medianía para abajo. ¿Y además quién mujer que levanta de la silla a uno de estos grandes fanáticos de la red, si sólo saben mirar una pantalla y no salen para nada de casa?